Szybka prezentacja sztuki przez wieki

Załóż rozsądne buty, gdy wyruszamy na niezwykle skrócone zwiedzanie sztuki na przestrzeni wieków. Celem tego utworu jest wyróżnienie się w najważniejszych wydarzeniach z różnych epok w historii sztuki.

Paleolityczny ludzie byli zbieraczami-myśliwymi, a życie było ciężkie. Ludzie dokonali gigantycznego skoku w myśleniu abstrakcyjnym i w tym czasie zaczęli tworzyć sztukę. Tematyka koncentrowała się na dwóch rzeczach: jedzeniu i konieczności stworzenia większej liczby ludzi.

Lód zaczął się wycofywać, a życie stało się trochę łatwiejsze. The Okres mezolityczny (która trwała dłużej w północnej Europie niż na Bliskim Wschodzie) widziała, jak malarstwo wychodzi z jaskiń na skały. Malarstwo stało się również bardziej symboliczne i abstrakcyjne.

Szybkie przejście do Wiek neolityczny, wraz z rolnictwem i zwierzętami domowymi. Teraz, gdy jedzenie było obfite, ludzie mieli czas na wymyślanie przydatnych narzędzi, takich jak pisanie i mierzenie. Część pomiarowa musiała się przydać budowniczym megality.

Należy zauważyć, że sztuka epoki kamienia rozkwitała na całym świecie w wielu kulturach, aż do chwili obecnej. „Etnograficzny” to przydatny termin, który tutaj oznacza: „Nie podążać drogą zachodniej sztuki”.

„Ziemia między rzekami” widziała niesamowitą liczbę kultur wznoszących się i spadających z potęgi. The Sumerowie dał nam zigguraty, świątynie i wiele rzeźb bogów. Co ważniejsze, zjednoczyli naturalne i formalne elementy w sztuce. The Akadyjczycy wprowadził stelę zwycięstwa, której rzeźby na zawsze przypominają nam ich waleczność w walce. The Babilończycy ulepszony na steli, wykorzystując go do zarejestrowania pierwszego jednolitego kodeksu prawa. The Asyryjczycy szaleje z architekturą i rzeźbą, zarówno w reliefie, jak iw rundzie. W końcu to był Persowie którzy umieścili cały obszar - i jego sztukę - na mapie, gdy podbijali sąsiednie ziemie.

Sztuka w starożytnym Egipcie była sztuką dla umarłych. Egipcjanie budowali groby, piramidy (wyszukane grobowce) i Sfinksa (także grobowiec) i dekorowali je kolorowymi obrazami bogów, o których wierzyli, że rządzili w zaświatach.

The Minojska kultura na Krecie i Mykeny w Grecji przyniósł nam freski, otwartą i przestronną architekturę oraz marmurowe bożki.

Grecy wprowadzili edukację humanistyczną, co znajduje odzwierciedlenie w ich sztuce. Ceramika, malarstwo, architektura i rzeźba przekształciły się w skomplikowane, wysoko wykonane i zdobione przedmioty, które wychwalały największe dzieło ze wszystkich: ludzi.

Na półwyspie włoskim Etruskowie przyjęli Epoka brązu w wielkim stylu, tworząc rzeźby godne uwagi, że są stylizowane, ozdobne i pełne sugerowanego ruchu. Byli także entuzjastycznymi producentami grobowców i sarkofagów, podobnie jak Egipcjanie.

Gdy osiągnęli znaczącą pozycję, Rzymianie najpierw próbowali wymazać Sztuka etruska, a następnie liczne ataki na Sztuka grecka. Pożyczając swobodnie z tych dwóch podbitych kultur, Rzymianie stworzyli swój własny styl, który coraz bardziej stał za nim moc. Architektura stała się monumentalna, rzeźby przedstawiają przemianowanych bogów, boginie i wybitnych obywateli, a w malarstwie krajobraz został wprowadzony i freski stały się ogromne.

Sztuka wczesnochrześcijańska dzieli się na dwie kategorie: okres prześladowań (do 323 roku) i ten, który nastąpił później Konstantyn Wielki uznane chrześcijaństwo: okres uznania. Pierwszy znany jest przede wszystkim z konstrukcji katakumb i przenośnych dzieł sztuki, które można ukryć. Drugi okres charakteryzuje się aktywną budową kościołów, mozaik oraz wzrostem bukmacherstwa. Rzeźba została zdegradowana do dzieł z ulgą - wszystko inne można by uznać za „grawerowane obrazy”.

Nie jest to nagłe przejście, jak sugerują daty, styl bizantyjski stopniowo odszedł od sztuki wczesnochrześcijańskiej, podobnie jak Kościół Wschodni oddalał się od Zachodu. Sztuka bizantyjska charakteryzuje się tym, że jest bardziej abstrakcyjna, symboliczna i mniej zajmuje się jakimkolwiek pozorem głębi - lub siły grawitacji - widocznym na obrazach lub mozaikach. Architektura stała się dość skomplikowana i dominowały kopuły.

Do dziś sztuka islamska znana jest z wysokiej dekoracyjności. Jego motywy pięknie przekładają się z kielicha na dywanik do Alhambry. Islam ma zakazy dotyczące bałwochwalstwa, w związku z czym mamy niewielką historię obrazkową.

Te lata były dość chaotyczne w Europie, ponieważ plemiona barbarzyńców szukały (i poszukiwały i szukały) miejsc, w których mogliby się osiedlić. Wybuchały częste wojny, a stała relokacja etniczna była normą. Sztuka w tym okresie była z konieczności niewielka i przenośna, zwykle w postaci ozdobnych szpilek lub bransoletek. Błyszczący wyjątek od tego „ciemnego” wieku w sztuce miał miejsce w Irlandii, która miała wielką fortunę przed ucieczką przed inwazją. Po raz.

Karol Wielki zbudował imperium, które nie przetrwało kłótni i nieudolnych wnuków, ale odrodzenie kulturowe imperium okazało się trwalsze. Klasztory stały się małymi miastami, w których manuskrypty były masowo produkowane. Modne było złotnictwo i stosowanie kamieni szlachetnych i półszlachetnych.

The Sas Król Otto I postanowił, że odniesie sukces tam, gdzie zawiódł Karola Wielkiego. To też nie zadziałało, ale sztuka ottońska ze swoimi silnymi wpływami bizantyjskimi tchnęła nowe życie w rzeźbę, architekturę i metaloplastykę.

Po raz pierwszy w historii sztukę opisuje termin inny niż nazwa kultury lub cywilizacji. Europa stawała się coraz bardziej spójnym bytem, ​​utrzymywanym razem przez chrześcijaństwo i feudalizm. Wynalazek sklepienia kolebkowego pozwolił kościołom stać się katedrami, a rzeźba stała się integralną częścią architektury. Tymczasem malowanie trwało głównie w iluminowanych rękopisach.

„Gotyk” został po raz pierwszy wymyślony (obraźliwie), aby opisać styl architektury tej epoki, która zapadła w pamięć długo po odejściu rzeźby i malarstwa. The łuk gotycki pozwoliły zbudować wielkie, strzeliste katedry, które zostały następnie ozdobione nową technologią witraży. Również w tym okresie zaczynamy uczyć się bardziej indywidualnych nazwisk malarzy i rzeźbiarzy - z których większość zdaje się starać, aby wszystkie rzeczy gotyckie pozostały za nimi. W rzeczywistości, począwszy od około 1200 roku, wszystkie rodzaje dzikiej sztuki innowacje zaczęły mieć miejsce we Włoszech.

To był Złoty wiek Florencji. Jego najpotężniejsza rodzina, Medyceusze (bankierzy i życzliwi dyktatorzy), hojnie wydawała niekończące się fundusze na chwałę i upiększenie swojej Republiki. Artyści gromadzili się, by wziąć udział w hojności, budowali, rzeźbili, malowali, a ostatecznie zaczęli aktywnie kwestionować „reguły” sztuki. Z kolei sztuka stała się zauważalnie bardziej zindywidualizowana.

Wszystkie uznane arcydzieła z ryczałtu „renesans„powstały w tych latach. Zrobili to Leonardo, Michelangelo, Raphael i firma nieprześcigniony arcydzieła, których prawie każdy artysta, na zawsze po nim, nawet nie zrobił próbować malować w tym stylu. Z tego powodu dobra wiadomość była taka Renesansowi wielcybycie artystą uznano teraz za dopuszczalne.

Tutaj mamy kolejny pierwszy: an abstrakcyjny termin na epokę artystyczną. Renesansowi artyści po śmierci Rafaela nadal doskonalili malarstwo i rzeźbę, ale nie szukali własnego stylu. Zamiast tego stworzyli w technicznych sposób swoich poprzedników.

Odrodzenie nastąpiło w innych częściach Europy, ale nie w jasno określonych krokach jak we Włoszech. Kraje i królestwa były zajęte walczeniem o znaczenie (walka) i nastąpił znaczący zerwanie z Kościołem katolickim. Sztuka zajęła inne miejsce, a style przeniosły się z gotyku do renesans do baroku w sposób niespójny, artysta po artyście.

Humanizm, renesans i reformacja (między innymi) pracowały razem, aby pozostawić średniowiecze na zawsze, a sztuka została zaakceptowana przez masy. Artyści okresu baroku przedstawili ludzkie emocje, pasję i nowe naukowe zrozumienie ich dzieła - wiele z nich zachowało tematy religijne, bez względu na Kościół, któremu artyści byli bliscy.

W tym, co niektórzy uznaliby za nierozsądny ruch, rokoko przeniósł sztukę barokową z „uczty dla oczu” na jawne wizualne obżarstwo. Jeśli sztukę lub architekturę można złocić, upiększyć lub w inny sposób przejąć na „szczyt”, rokoko z zaciekłością dodał te elementy. Jako okres był (na szczęście) krótki.

W tej epoce sytuacja się na tyle rozluźniła, że ​​dwa różne style mogły konkurować o ten sam rynek. Neoklasycyzm charakteryzował się wiernym studiowaniem (i kopiowaniem) klasyki w połączeniu z wykorzystaniem elementów ujawnionych przez nową naukę archeologii. Z kolei romantyzm przeciwstawiał się łatwej charakterystyce. To było bardziej nastawienie—Zostały zaakceptowane przez Oświecenie i świt świadomości społecznej. Spośród nich romantyzm od tego czasu miał o wiele większy wpływ na bieg sztuki.

Nieświadomy dwóch powyższych ruchów, Realiści pojawiły się (najpierw cicho, potem głośno) z przekonaniem, że historia nie ma znaczenia, a artyści nie powinni oddawać niczego, czego osobiście nie doświadczyli. Próbując doświadczyć „rzeczy”, zaangażowali się w sprawy społeczne i, co nie dziwi, często znajdowali się po złej stronie władzy. Sztuka realistyczna coraz bardziej odrywała się od formy, obejmowała światło i kolor.

Tam, gdzie realizm odszedł od formy, impresjonizm wyrzucił ją z okna. Impresjoniści zasłużyli na swoje imię (którego sami na pewno nie wymyślili): sztuka była wrażeniem i jako taka można ją w całości oddać za pomocą światła i koloru. Świat był najpierw oburzony ich morderstwem, a następnie zaakceptowaniem. Z akceptacją przyszedł koniec impresjonizmu jako ruchu. Misja zakończona; sztuka miała teraz swobodę rozprzestrzeniania się w dowolny sposób.

The Impresjoniści zmienił wszystko, kiedy ich sztuka została zaakceptowana. Od tego momentu artyści mogli swobodnie eksperymentować. Nawet jeśli opinia publiczna nie znosiła rezultatów, nadal była sztuką, a tym samym wyrażała pewien szacunek. Ruchy, szkoły i style - w oszałamiającej liczbie - przychodziły, odchodziły, rozchodziły się od siebie, a czasem łączyły.

Naprawdę nie ma sposobu, aby się zgodzić wszystko z tych bytów nawet krótka wzmianka tutaj, więc omówimy teraz tylko kilka bardziej znanych nazw.

To przydatny tytuł dla tego, co nie było ruchem, ale grupą artystów (przede wszystkim Cézanne'a, Van Gogha, Seurata i Gauguina), którzy przeszli obok impresjonizmu i podjęli inne, odrębne wysiłki. Zachowali światło i kolor, jakie przyniósł impresjonizm, ale próbowali umieścić inne elementy z sztuka - na przykład forma i linia - z powrotem w sztuka.

Fauves („dzikie bestie”) byli francuskimi malarzami prowadzonymi przez Matisse i Rouault. Ruch, który stworzyli, z jego dzikimi kolorami i przedstawieniami prymitywnych przedmiotów i ludzi, stał się znany jako ekspresjonizm i rozprzestrzenił się w szczególności na Niemcy.

We Francji wymyślili Picasso i Braque Kubizm, w których formy organiczne zostały rozbite na szereg geometrycznych kształtów. Ich wynalazek okazałby się elementarny dla Bauhaus w nadchodzących latach, a także inspirując pierwszą nowoczesną rzeźbę abstrakcyjną.

Tymczasem we Włoszech powstał futuryzm. To, co zaczęło się jako ruch literacki, przekształciło się w styl sztuki obejmujący maszyny i epokę przemysłową.

Surrealizm polegało na odkryciu ukrytego znaczenia snów i wyrażeniu podświadomości. Nieprzypadkowo Freud opublikował swoje przełomowe badania psychoanalityczne przed powstaniem tego ruchu.

II wojna światowa (1939–1945) przerwała wszelkie nowe ruchy w sztuce, ale sztuka powróciła z zemstą w 1945 r. Wyłaniając się z rozdartego świata, Ekspresjonizm abstrakcyjny porzuciła wszystko - w tym rozpoznawalne formy - oprócz wyrażania siebie i surowych emocji.

W reakcji na ekspresjonizm abstrakcyjny Pop Art wychwalał najbardziej przyziemne aspekty kultury amerykańskiej i nazwał je sztuką. To było zabawa jednak sztuka. A w „happeningach” z lat 60-tych Op (w skrócie złudzenie optyczne) Sztuka pojawiła się na scenie, w samą porę, aby ładnie połączyć się z psychodeliczną muzyką.

W ostatnich latach sztuka zmieniła się błyskawicznie. Widzieliśmy nadejście sztuka performance, sztukę konceptualną, sztukę cyfrową i sztukę szokową, żeby wymienić tylko kilka nowych ofert.

Pomysły w sztuce nigdy nie przestaną się zmieniać i iść naprzód. Gdy jednak zmierzamy w kierunku bardziej globalnej kultury, nasza sztuka zawsze będzie przypominać nam o naszej zbiorowej i odpowiedniej przeszłości.