Definicja formy w art

Termin Formularz może oznaczać kilka różnych rzeczy w sztuce. Formularz jest jednym z siedmiu elementy sztuki i odnosi się do trójwymiarowego obiektu w przestrzeni. ZA analiza formalna dzieła sztuki opisuje, w jaki sposób elementy i zasady dzieła sztuki niezależnie od ich znaczenia i uczuć lub myśli, które mogą wywoływać u widza. Wreszcie, Formularz służy również do opisania fizycznej natury dzieła sztuki, jak w rzeźbie metalowej, obrazie olejnym itp.

W połączeniu z tym słowem sztuka jak w forma sztuki, może również oznaczać medium ekspresji artystycznej uznawane za sztukę piękną lub niekonwencjonalne, wykonane tak dobrze, zręcznie lub twórczo, aby podnieść je do poziomu sztuki pięknej.

Forma jest jednym z siedmiu elementów sztuki, które są narzędziami wizualnymi, których artysta używa do komponowania dzieła. Ponadto, aby utworzyć, zawierają linię, kształt, wartość, kolor, tekstura, i przestrzeń. Jako element sztuki Formularz odnosi się do czegoś, co jest trójwymiarowe i obejmuje objętość, mając długość, szerokość i wysokość, w porównaniu do

Formy geometryczne są formami matematycznymi, precyzyjnymi i można je nazwać, tak jak w podstawowych formach geometrycznych: kula, sześcian, piramida, stożek i cylinder. Okrąg staje się kulą w trzech wymiarach, kwadrat staje się sześcianem, trójkąt staje się piramidą lub stożkiem.

Formy geometryczne najczęściej można znaleźć w architekturze i środowisku zbudowanym, chociaż można to zrobić znajdź je w kulach planet i bąbelków, a także w krystalicznym wzorze płatków śniegu przykład.

Formy organiczne to te, które są sypkie, krągłe, ścięgna i nie są symetryczne, łatwo mierzalne lub nazwane. Najczęściej występują w naturze, jak w kształtach kwiatów, gałęzi, liści, kałuż, chmur, zwierząt, postać ludzka itp., ale można ją również znaleźć w odważnych i fantazyjnych budynkach hiszpańskiego architekta Antoni Gaudi (1852–1926), a także w wielu rzeźbach.

Forma jest najściślej związana z rzeźbą, ponieważ jest sztuką trójwymiarową i tradycyjnie składała się prawie przede wszystkim z formy, przy czym kolor i faktura są podporządkowane. Trójwymiarowe formy można zobaczyć z więcej niż jednej strony. Formy tradycyjnie można oglądać ze wszystkich stron, zwane rzeźbą w rundzielub w ulga, w których rzeźbione elementy pozostają przymocowane do solidnego tła, w tym płaskorzeźba, haut-relief, i Sunken-Relief. Historycznie rzeźby zostały wykonane na podobieństwo kogoś, aby uczcić bohatera lub boga.

Wiek XX rozszerzył jednak znaczenie rzeźby, zwiastując koncepcję form otwartych i zamkniętych, a znaczenie to nadal się rozwija. Rzeźby nie są już tylko reprezentacyjnymi, statycznymi, piśmiennymi formami o stałej, nieprzezroczystej masie, która została wykuta w kamieniu lub wykonana z brązu. Rzeźba dzisiaj może być abstrakcyjna, złożona z różnych przedmiotów, kinetyczna, zmieniać się z czasem lub wykonana z niekonwencjonalnych materiałów, takich jak światło lub hologramy, jak w dziele znanego artysty James Turrell.

Rzeźby można scharakteryzować w kategoriach względnych jako formy zamknięte lub otwarte. ZA forma zamknięta ma podobne uczucie do tradycyjnej postaci stałej nieprzezroczystej masy. Choćby spacje istnieją w formie, są zawarte i ograniczone. Forma zamknięta jest skierowana do wewnątrz na samą formę, odizolowaną od otaczającej przestrzeni. Na otwarta forma jest przezroczysty, odsłaniając swoją strukturę, a zatem ma bardziej płynny i dynamiczny związek z przestrzenią otoczenia. Negatywna przestrzeń jest głównym składnikiem i siłą aktywującą rzeźbę w otwartej formie. Pablo Picasso (1881–1973), Alexander Calder (1898–1976) i Julio Gonzalez (1876–1942) to niektórzy artyści, którzy tworzyli rzeźby w formie otwartej, wykonane z drutu i innych materiałów.

Henry Moore (1898–1986), wielki angielski artysta, który wraz ze swoją współczesną Barbarą Hepworth (1903–1975), byli dwoma najważniejszymi Brytyjscy rzeźbiarze w sztuce współczesnej, obaj zrewolucjonizowali rzeźbę, jako pierwsi przebijając formę swojej biomorficznej (bio = życie, morfika = forma) rzeźby. Zrobiła to w 1931 r., A on w 1932 r., Zauważając, że „nawet przestrzeń może mieć formę” i że „dziura może mieć tyle samo znaczenia kształtu co stała bryła”.

W rysowaniu i malowaniu złudzenie trójwymiarowej formy jest przenoszone poprzez użycie światła i cieni oraz oddanie wartości i tonu. Kształt jest definiowany przez zewnętrzny kontur obiektu, w taki sposób, w jaki postrzegamy go po raz pierwszy i zaczynamy rozumieć ale światło, wartość i cień pomagają nadać obiektowi formę i kontekst w przestrzeni, abyśmy mogli w pełni zidentyfikować to.

Na przykład, zakładając pojedyncze źródło światła na kuli, najjaśniejszym punktem jest to, gdzie źródło światła uderza bezpośrednio; ton środkowy to środkowa wartość na kuli, w której światło nie uderza bezpośrednio; cień rdzenia to obszar na kuli, w którym światło w ogóle nie uderza i jest najciemniejszą częścią kuli; rzucany cień to obszar na otaczających powierzchniach, który jest blokowany przed światłem przez obiekt; odbite światło to światło odbijane z powrotem na obiekt od otaczających obiektów i powierzchni. Mając na uwadze te wytyczne dotyczące światła i cieniowania, można narysować lub pomalować dowolny prosty kształt, aby stworzyć iluzję trójwymiarowej formy.

Im większy kontrast wartości, tym bardziej wyraźna staje się trójwymiarowa forma. Formy renderowane z niewielką zmiennością wartości wydają się bardziej płaskie niż formy renderowane z większą zmiennością i kontrastem.

Historycznie malarstwo przeszło od płaskiej reprezentacji formy i przestrzeni do trójwymiarowej reprezentacji formy i przestrzeni, aż do abstrakcji. Egipskie malarstwo było płaskie, z ludzką postacią przedstawioną z przodu, ale z głową i nogami z profilu. Realistyczna iluzja formy pojawiła się dopiero w czasach renesansu wraz z odkryciem perspektywy. Barokowi artyści, tacy jak Caravaggio (1571–1610), badali naturę przestrzeni, światła i trójwymiarowe doświadczenie przestrzeni dzięki zastosowaniu światłocienia, silnego kontrastu między nimi jasno i ciemno. Obraz ludzkiej postaci stał się znacznie bardziej dynamiczny, z światłocieniem i zwężeniem, nadając formom poczucie solidności i wagi oraz tworząc silne poczucie dramatu. Modernizm uwolnił artystów do bardziej abstrakcyjnej zabawy z formą. Artyści tacy jak Picasso z wynalazkiemKubizm, rozbił formę, aby sugerować ruch w przestrzeni i czasie.

Analizując dzieło sztuki, analiza formalna jest odrębna od analizy jego treści lub kontekstu. Analiza formalna oznacza zastosowanie elementów i zasad sztuki do wizualnej analizy dzieła. Analiza formalna może ujawnić decyzje kompozytorskie, które pomagają wzmocnić treść, istotę dzieła, jego znaczenie i intencje artysty, a także dają wskazówki co do kontekstu historycznego.

Na przykład uczucia tajemnicy, podziwu i transcendencji wywoływane przez jedne z najtrwalszych renesans arcydzieła, takie jak Mona Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), Stworzenie Adama (Michelangelo, 1512), Ostatnia Wieczerza (Leonardo da Vinci, 1498) różnią się od formalnych elementów i zasad kompozycji, takich jak linia, kolor, przestrzeń, kształt, kontrast, podkreślenie itp., artysta tworzył obraz, który przyczynia się do jego znaczenia, efektu i ponadczasowości jakość.

• Formularz, Muzeum Tate, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• Sztuka rzeźby, Encyklopedia sztuki, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Dziura życia, Muzeum Tate, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth vs Henry Moore, CultureWhisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Prace Antoni Gaudi, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Fundacja Henry'ego Moore'a, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

• Elementy sztuki: forma, poziom ocen: 3-4, Narodowa Galeria Sztuki, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• Kształt i forma w sztuce: program instruktażowy dla klas K-4, Przewodnik dla nauczyciela, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf