Jaka jest definicja kształtu w sztuce?

W badaniach sztuki kształt jest zamkniętą przestrzenią, ograniczoną dwuwymiarową formą, która ma zarówno długość, jak i szerokość. Kształty są jednym z siedem elementów sztuki, elementy składowe, których używają artyści do tworzenia obrazów na płótnie i w naszych umysłach. Granice kształtu są określone przez inne elementy sztuki, takie jak linie, wartości, kolory i tekstury; a poprzez dodanie wartości możesz zmienić kształt w iluzję jego trójwymiarowej kuzyny. Jako artysta lub ktoś, kto ceni sztukę, ważne jest, aby w pełni zrozumieć sposób używania kształtów.

Kształty są wszędzie i wszystkie obiekty mają kształt. Podczas malowania lub rysowania tworzysz kształt w dwóch wymiarach: długości i szerokości. Możesz dodać wartość, aby nadać mu rozjaśnienia i cienie, dzięki czemu będzie wyglądać bardziej trójwymiarowo.

Jednak dopiero wtedy, gdy forma i kształt spotkają się, na przykład w rzeźbie, kształt staje się naprawdę trójwymiarowy. Tak jest ponieważ Formularz jest zdefiniowany przez włączenie trzeciego wymiaru, głębokości, do dwóch płaskich wymiarów. Sztuka abstrakcyjna jest najbardziej oczywistym przykładem użycia kształtu, ale element kształtu, zarówno organiczny, jak i geometryczny, ma zasadnicze znaczenie dla wielu, jeśli nie większości dzieł sztuki.

Najprościej mówiąc, kształt jest tworzony, gdy linia jest zamknięta: linia tworzy granicę, a kształt jest formą ograniczoną przez tę granicę. Linia i kształt to dwa elementy w sztuce, które prawie zawsze są używane razem. Trzy linie są używane do utworzenia trójkąta, podczas gdy cztery linie mogą tworzyć kwadrat.

Kształty mogą być również definiowane przez artystę za pomocą wartości, koloru lub tekstury w celu ich rozróżnienia. Kształty mogą zawierać linię, aby to osiągnąć, lub nie: na przykład kształty tworzone za pomocą kolaży są definiowane przez krawędzie kontrastującego materiału.

Kształty geometryczne to te, które są zdefiniowane w matematyce i mają wspólne nazwy. Mają wyraźne krawędzie lub granice, a artyści często używają narzędzi, takich jak kątomierze i kompasy, aby je tworzyć, aby były matematycznie precyzyjne. Kształty w tej kategorii obejmują koła, kwadraty, prostokąty, trójkąty, wielokąty i tak dalej.

Płótna mają zazwyczaj kształt prostokątny, domyślnie definiując wyraźne krawędzie i granice obrazu lub fotografii. Artyści tacy jak Reva Urban celowo wyłamują się z prostokątnej formy za pomocą nieprostokątnych płócien lub dodając elementy wystające z ram lub dodając trójwymiarowe fale, spadki i wypukłości. W ten sposób Urban wykracza poza dwuwymiarowość prostokątnego zamknięcia, ale nadal nawiązuje do kształtów.

Geometryczne sztuki abstrakcyjne, takie jak Kompozycja II Pieta Mondriana w kolorze czerwonym, niebieskim i żółtym (1930) i Kompozycja XI Theo van Doesburga (1918) założył ruch De Stijl w Holandii. Jabłko amerykańskiej Sarah Morris (2001) i artystka uliczna Maya Hayuk to nowsze przykłady obrazów, w tym kształty geometryczne.

Podczas gdy kształty geometryczne są dobrze zdefiniowane, kształty biomorficzne lub organiczne są wręcz przeciwne. Narysuj zakrzywioną, półkolistą linię i połącz ją od początku, a uzyskasz kształt przypominający amebę organiczny lub o dowolnym kształcie.

Organiczne kształty są indywidualnymi dziełami artystów: nie mają nazw, nie mają określonych kątów, nie mają standardów ani narzędzi wspierających ich tworzenie. Często można je znaleźć w naturze, gdzie kształty organiczne mogą być amorficzne jak chmura lub tak precyzyjne jak liść.

Organiczne kształty są często używane przez fotografów, takich jak Edward Weston w jego niezwykle zmysłowym wizerunku Pepper No. 30 (1930); i przez artystów takich jak Georgia O'Keeffe w niej Krowa Czaszka: czerwona, biała i niebieska (1931). Organiczni artyści abstrakcyjni to Wassily Kandinsky, Jean Arp, i Joan Miro.

Kształt może również współpracować z elementem przestrzeń tworzyć pozytywne i negatywne przestrzenie. Przestrzeń jest kolejnym z siedmiu elementów, aw niektórych sztukach abstrakcyjnych określa kształty. Na przykład, jeśli narysujesz solidną czarną filiżankę kawy na białym papierze, czerń jest twoją pozytywną przestrzenią. Biała ujemna przestrzeń wokół niego oraz między uchwytem a kubkiem pomaga określić podstawowy kształt tego kubka.

Przestrzenie negatywne i pozytywne zostały wykorzystane z wielką wyobraźnią przez M.C. Escher, w przykładach takich jak Niebo i woda 1 (1938), w którym ciemne obrazy latającej gęsi ewoluują poprzez stopniowo jaśniejsze, a następnie ciemniejsze kroki w ciemne pływające ryby. Malezyjski artysta i ilustrator Tang Yau Hoong używa negatywnej przestrzeni, aby komentować politycznie pejzaże miast, nowoczesne i starożytne tatuażyści używaj dodatnich i ujemnych spacji, łącząc atrament i nie wytatuowane ciało.

W pierwszych etapach rysowania artyści często rozkładają tematy na geometryczne kształty. Ma to na celu dać im podstawę do stworzenia większego obiektu z większą ilością szczegółów i we właściwej proporcji.

Na przykład rysując portret wilka, artysta może zacząć od podstawowych kształtów geometrycznych, aby zdefiniować uszy, pysk, oczy i głowę zwierzęcia. To stanowi podstawową strukturę, z której stworzy ostateczne dzieło sztuki. Leonardo da Vinci's człowiek witruwiański (1490) zastosował geometryczne kształty kół i kwadratów, aby zdefiniować i skomentować anatomię człowieka.

Jako bystry obserwator możesz rozbić dowolny przedmiot do jego podstawowego kształtu: wszystko składa się z szeregu podstawowych kształtów. Odkrywanie dzieło malarzy kubistycznych to świetny sposób, aby zobaczyć, jak artyści bawią się tą podstawową koncepcją w sztuce.

Obrazy kubistyczne, takie jak Pablo Picasso Les Desmoiselles d'Avignon (1907) i Marcel Duchamp's Nude Zejście po schodach nr 3 (1912) używają geometrycznych kształtów jako zabawnych i nawiedzających odniesień do organicznych kształtów ludzkiego ciała.

• Beck, Paula D. „Subiektywne interakcje uczniów czwartej klasy z siedmioma elementami sztuki: eksploracyjne studium przypadku z wykorzystaniem metodologii Q”. Long Island University, 2014. Wydrukować.
• Davidson, Abraham A. "Kubizm i wczesny amerykański modernista. ”Art Journal 26.2 (1966): 122-65. Wydrukować.
• Kelehear, Zach. "Przekaż kredki: przywództwo, produkcja sztuki i wspólnoty praktyków." International Journal of Education Policy & Leadership 5.10 (2010). Wydrukować.
• Pasko, Galina i in. "Rosnąco w przestrzeni kosmicznej: Cyfrowe wytwarzanie M.C. Grafika Eschera." Leonardo 44.5 (2011): 411-16. Wydrukować.
• Silk, Gerald. "In and out of Shape: The Art of Reva Urban." Woman's Art Journal 34.2 (2013): 21-28. Wydrukować.
• Stiny, George i James Gips. „Gramatyki kształtów i ogólna specyfikacja malarstwa i rzeźby”. The Best Computer Papers of 1971. Ed. Petrocelli, O.R. Filadelfia: Auerbach, 1971. 125-35. Wydrukować.