Omówienie ruchu op-art

Op Art (skrót od Optical Art) to ruch artystyczny, który powstał w latach 60. XX wieku. Jest to odrębny styl sztuki, który tworzy iluzję ruchu. Dzięki zastosowaniu precyzji i matematyki, wyraźnego kontrastu i abstrakcyjnych kształtów, te ostre dzieła sztuki mają trójwymiarową jakość, której nie widać w innych stylach sztuki.

Retrospekcja do 1964 r. W Stanach Zjednoczonych wciąż toczyliśmy się po zabójstwie prezydenta Johna F. Kennedy, zamknięty w ruchu na rzecz praw obywatelskich i „atakowany” przez brytyjską muzykę pop / rock. Wiele osób nie było przekonanych, że można osiągnąć idylliczny styl życia, tak powszechny w latach 50. XX wieku. To był idealny czas na pojawienie się nowego ruchu artystycznego na scenie.

W październiku 1964 r. W artykule opisującym ten nowy styl sztuki: Czasopismo ukuł frazę „Sztuka optyczna” (lub „Sztuka op”, ponieważ jest ona bardziej znana). Termin ten odwołuje się do faktu, że Op Art składa się z iluzji i często wydaje się, że ludzkie oko porusza się lub oddycha ze względu na swój precyzyjny, oparty na matematyce skład.

Po (i z powodu) dużej wystawy sztuki operowej z 1965 r. Zatytułowanej „Responsive Eye” publiczność zachwyciła się ruchem. W rezultacie zaczęto widzieć Op Art wszędzie: w reklamie drukowanej i telewizyjnej, jako okładka albumu LP oraz jako modowy motyw w odzieży i aranżacji wnętrz.

Chociaż termin ten został ukuty, a wystawa odbyła się w połowie lat 60. XX wieku, większość osób, które studiowały te rzeczy, zgadza się z tym Victor Vasarely pionierem ruchu był obraz z 1938 roku „Zebra”.

M. DO. Styl Eschera czasami sprawiał, że był również wymieniony jako artysta op, choć nie do końca pasuje do definicji. Wiele z jego najbardziej znanych prac powstało w latach 30. XX wieku i obejmuje niesamowite perspektywy i wykorzystanie teselacji (kształty w ścisłych aranżacjach). Ci dwaj z pewnością pomogli wskazać drogę innym.

Można również argumentować, że żadna z dzieł sztuki nie byłaby możliwa - nie mówiąc już o przyjęciu przez społeczeństwo - bez wcześniejszych ruchów abstrakcyjnych i ekspresjonistycznych. Uczyniło to drogę poprzez podkreślenie (lub w wielu przypadkach wyeliminowanie) reprezentatywnego przedmiotu.

Jako „oficjalny” ruch, Op Art otrzymał życie przez około trzy lata. Nie oznacza to jednak, że do 1969 roku każdy artysta przestał stosować Op Art jako swój styl.

Bridget Riley jest jednym z godnych uwagi artystów, którzy przeszli od dzieł achromatycznych do chromatycznych, ale konsekwentnie tworzą Op Art od początku do dnia dzisiejszego. Ponadto każdy, kto ukończył policealne studia plastyczne, prawdopodobnie ma opowieść lub dwa projekty opistyczne powstałe podczas badań nad teorią kolorów.

Warto również wspomnieć, że w erze cyfrowej Op Art bywa postrzegany z rozbawieniem. Być może ty także słyszałeś (raczej złośliwy, niektórzy powiedzieliby) komentarz, „Dziecko z odpowiednim oprogramowaniem do projektowania graficznego mogłoby wyprodukować takie rzeczy”. To prawda, że ​​utalentowane dziecko z komputerem i odpowiednim oprogramowaniem mogło z pewnością stworzyć Op Art w XXI wieku.

Z pewnością nie miało to miejsca na początku lat 60. XX wieku, a data „Zebry” Vasarely'ego z 1938 r. Mówi w tym względzie. Op Art reprezentuje wiele matematyki, planowania i umiejętności technicznych, ponieważ żadne z nich nie pochodzi ze świeżego atramentu z urządzeń peryferyjnych komputera. Oryginalny, ręcznie tworzony Op Art zasługuje przynajmniej na szacunek.

Op Art istnieje, aby oszukać oko. Kompozycje op tworzą rodzaj wizualnego napięcia w umyśle odbiorcy, który nadaje dziełom iluzja ruchu. Na przykład skoncentruj się na „Dominance Portfolio, Blue” Bridget Riley (1977) przez kilka sekund, a on zacznie tańczyć i machać na twoich oczach.

Realistycznie ty wiedzieć że każdy element Op Art jest płaski, statyczny i dwuwymiarowy. Twoje oko zaczyna jednak wysyłać mózgowi wiadomość, że to, co widzi, zaczyna oscylować, migotać, pulsować i jakikolwiek inny czasownik, który można użyć, aby powiedzieć: „Yikes! Ten obraz jest w ruchu!"

Op Art nie ma reprezentować rzeczywistości. Ze względu na swój geometryczny charakter Op Art niemal bez wyjątku nie reprezentuje. Artyści nie próbują przedstawiać niczego, co wiemy w prawdziwym życiu. Zamiast tego bardziej przypomina sztukę abstrakcyjną, w której dominuje kompozycja, ruch i kształt.

Op Art nie jest dziełem przypadku. The elementy zastosowane w dziele sztuki operacyjnej są starannie dobierane, aby osiągnąć maksymalny efekt. Aby iluzja zadziałała, każdy kolor, linia i kształt musi przyczyniać się do ogólnej kompozycji. Potrzeba dużo staranności, aby z powodzeniem tworzyć dzieła sztuki w stylu Op Art.

Op Art opiera się na dwóch konkretnych technikach. Krytycznymi technikami stosowanymi w Op Art są perspektywiczne i staranne zestawienie kolorów. Kolor może być chromatyczny (rozpoznawalne odcienie) lub achromatyczny (czarny, biały lub szary). Nawet gdy użyty jest kolor, wydają się być bardzo odważne i mogą być komplementarne lub kontrastować.

Op Art zazwyczaj nie obejmuje mieszania kolorów. Linie i kształty tego stylu są bardzo dobrze zdefiniowane. Artyści nie używają cieniowania przy przechodzeniu z jednego koloru do drugiego i dość często dwa kontrastujące ze sobą kolory są umieszczane obok siebie. Ta trudna zmiana jest kluczową częścią tego, co przeszkadza i powoduje, że oko widzi ruch w miejscu, w którym go nie ma.

Op Art obejmuje przestrzeń negatywną. W Op Art - jak być może w żadnej innej szkole artystycznej - pozytywne i negatywne przestrzenie w kompozycji są równie ważne. Iluzja nie mogłaby powstać bez nich obu, więc artyści op zwykle skupiają się zarówno na negatywnej przestrzeni, jak i na pozytywach.