Geneza i szkoły sztuki abstrakcyjnej

Sztuka abstrakcyjna (czasami nazywana sztuka nieobiektywna) to obraz lub rzeźba, które nie przedstawiają osoby, miejsca ani rzeczy w świecie przyrody. W przypadku sztuki abstrakcyjnej przedmiotem pracy jest to, co widzisz: kolor, kształty, pociągnięcia pędzla, rozmiar, skala, a w niektórych przypadkach sam proces, jak w przypadku malarstwo akcji.

Artyści abstrakcyjni starają się być nieobiektywni i niereprezentatywni, pozwalając widzowi interpretować znaczenie każdego dzieła na swój własny sposób. Zatem sztuka abstrakcyjna nie jest przesadzonym lub zniekształconym spojrzeniem na świat, jak widzimy w kubistycznych obrazach Paula Cézanne'a (1839–1906) i Pablo Picasso (1881–1973), ponieważ prezentują rodzaj realizmu konceptualnego. Zamiast tego forma i kolor stają się przedmiotem i przedmiotem utworu.

Podczas gdy niektórzy mogą twierdzić, że sztuka abstrakcyjna nie wymaga technicznych umiejętności sztuki reprezentacyjnej, inni zaczęliby się różnić. Rzeczywiście stał się jedną z głównych debat w sztuce współczesnej. Jako rosyjski artysta abstrakcyjny Wasilij Kandinsky (1866–1944):

„Ze wszystkich sztuk malarstwo abstrakcyjne jest najtrudniejsze. Wymaga to, aby umieć dobrze rysować, mieć zwiększoną wrażliwość na kompozycję i kolory oraz aby być prawdziwym poetą. To ostatnie jest niezbędne ”.

Historycy sztuki zazwyczaj określają początek XX wieku jako ważny historyczny moment w historii sztuki abstrakcyjnej. W tym czasie artyści pracowali nad stworzeniem czegoś, co określali jako „czystą sztukę”: dzieł twórczych, które nie były oparte na percepcji wizualnej, ale na wyobraźni artysty. Do wpływowych dzieł z tego okresu należą „Obraz z kołem” Kandinsky'ego z 1911 r. I „Caoutchouc”, stworzony przez francuskiego awangardowego artysty Francisa Picabię (1879–1953) w 1909 r.

Korzenie sztuki abstrakcyjnej sięgają jednak znacznie dalej. Artyści związani z ruchami takimi jak XIX wiek Impresjonizm a ekspresjonizm eksperymentował z ideą, że malarstwo może uchwycić emocje i podmiotowość. Nie musi po prostu skupiać się na pozornie obiektywnych spostrzeżeniach wizualnych. Idąc jeszcze dalej, wiele starożytnych malowideł naskalnych, wzorów tkanin i wzorów garncarskich uchwyciło symboliczną rzeczywistość, zamiast próbować przedstawiać przedmioty tak, jak je widzimy.

Kandinsky jest często uważany za jednego z najbardziej wpływowych artystów abstrakcyjnych. Widok tego, jak jego styl ewoluował od sztuki reprezentacyjnej do czystej sztuki abstrakcyjnej na przestrzeni lat, jest fascynującym spojrzeniem na cały ruch. Sam Kandinsky był biegły w wyjaśnianiu, w jaki sposób abstrakcyjny artysta może używać koloru, aby dać pozornie bezsensowny cel pracy.

Kandinsky wierzył, że kolory wywołują emocje. Czerwony był żywy i pewny siebie; zieleń była spokojna z wewnętrzną siłą; niebieski był głęboki i nadprzyrodzony; żółty może być ciepły, ekscytujący, niepokojący lub całkowicie wściekły; a biel wydawała się cicha, ale pełna możliwości. Przypisał także dźwięki instrumentów pasujące do każdego koloru. Czerwień brzmiała jak trąbka; zielony brzmiał jak skrzypce w środkowej pozycji; jasnoniebieski brzmiał jak flet; granatowy brzmiał jak wiolonczela, żółty brzmiał jak fanfara trąb; biały brzmiał jak pauza w harmonijnej melodii.

Te analogie do dźwięków wynikały z uznania Kandinsky'ego dla muzyki, zwłaszcza dzieł współczesnego wiedeńskiego kompozytora Arnolda Schoenberga (1874–1951). Tytuły Kandinsky'ego często odnoszą się do kolorów kompozycji lub muzyki, na przykład „Improwizacja 28” i „Kompozycja II”.

Francuski artysta Robert Delaunay (1885–1941) należał do Kandinsky's Blue Rider (Die Blaue Reiter) Grupa. Wraz z żoną, urodzoną w Rosji Sonia Delaunay-Turk (1885–1979), oboje dążyli do abstrakcji we własnym ruchu, Sierotyzm lub kubizm kubiczny.

Obecnie „sztuka abstrakcyjna” jest często terminem obejmującym szeroki zakres stylów i ruchów artystycznych. Zawarte są między nimi sztuka niereprezentatywna, sztuka nieobiektywna, ekspresjonizm abstrakcyjny, informacja o sztuce (forma sztuki gestów), a nawet niektóre op art (sztuka optyczna, odnosząca się do sztuki, która wykorzystuje złudzenia optyczne). Sztuka abstrakcyjna może być gestowa, geometryczna, płynna lub figuratywna - sugerująca rzeczy, które nie są wizualne, takie jak emocje, dźwięk lub duchowość.

Chociaż sztukę abstrakcyjną kojarzymy z malarstwem i rzeźbą, może ona odnosić się do dowolnego medium wizualnego, w tym zmontowanie i fotografia. Jednak to malarze zwracają największą uwagę w tym ruchu. Jest wielu wybitnych artystów reprezentujących różne podejścia do sztuki abstrakcyjnej, którzy mieli znaczący wpływ na sztukę współczesną.

• Carlo Carrà (1881–1966) był włoskim malarzem najbardziej znanym ze swojej pracy w futuryzmie, formie sztuki abstrakcyjnej, która podkreślała energię i szybko zmieniającą się technologię początku XX wieku. W trakcie swojej kariery on pracował w kubizmie a także wiele jego obrazów było abstrakcjami rzeczywistości. Jednak jego manifest „Malowanie dźwięków, hałasów i zapachów” (1913) wpłynęło na wielu abstrakcyjnych artystów. To tłumaczy jego fascynację synestezją, sensualnym skrzyżowaniem, w którym na przykład „wącha się” kolor, który jest sercem wielu dzieł abstrakcyjnych.
• Umberto Boccioni (1882–1916) był kolejnym włoskim futurystą, który skupiał się na formach geometrycznych i był pod silnym wpływem kubizmu. Jego prace często przedstawiają ruch fizyczny, jak widać w „States of Mind” (1911). Ta seria trzech obrazów ukazuje ruch i emocje stacji kolejowej, a nie fizyczne przedstawienie pasażerów i pociągów.
• Kazimierz Malewicz (1878–1935) był rosyjskim malarzem, którego wielu opisuje jako pioniera geometrycznej sztuki abstrakcyjnej. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest „Czarny kwadrat” (1915). Jest to uproszczone, ale absolutnie fascynujące dla historyków sztuki, ponieważ, jak analizuje Tate, „po raz pierwszy ktoś zrobił obraz, który nie był z czegoś”.
• Jackson Pollock (1912–1956), amerykański malarz, jest często podawany jako idealna reprezentacja Ekspresjonizm abstrakcyjnylub malowanie akcji. Jego praca to coś więcej niż kroplówki i plamy farby na płótnie, ale w pełni gestykulujące i rytmiczne, często stosowane bardzo nietradycyjne techniki. Na przykład, „Full Fathom Five” (1947) to olej na płótnie stworzony częściowo z haczyków, monet, papierosów i wielu innych. Niektóre z jego prac, takie jak „There Were Seven Eight” (1945) są ogromne, rozciągają się na ponad osiem stóp szerokości.
• Mark Rothko (1903–1970) przeniósł geometryczne abstrakty Malewicza na nowy poziom modernizmu dzięki malarstwu barwnemu. Ten amerykański malarz powstał w latach czterdziestych XX wieku i uprościł kolor jako samodzielny temat, na nowo definiując sztukę abstrakcyjną dla następnego pokolenia. Jego obrazy, takie jak „Four Darks in Red” (1958) i „Orange, Red and Yellow” (1961), wyróżniają się zarówno swoim stylem, jak i dużym rozmiarem.