Dowiedz się o „Czerwonej pracowni” Henri Matisse'a

Matisse zajmuje swoje miejsce na osi czasu malarstwa dzięki użyciu koloru. Robił rzeczy z kolorami, których nikt wcześniej nie miał, i wywarł wpływ na wielu artystów, którzy poszli za nim. Matisse Studio Red jest ważny ze względu na użycie koloru i spłaszczoną perspektywę, zmianę rzeczywistości i nasze postrzeganie przestrzeni.

Namalował go w 1911 roku, po zetknięciu się z tradycyjną sztuką islamu podczas wizyty w Hiszpanii, co wpłynęło na wykorzystanie przez niego wzoru, dekoracji i przedstawiania przestrzeni. Studio Red zostaje zgrupowany z trzema innymi obrazami, które Matisse zrobił w tym roku - Rodzina malarza, The Pink Studio, i Wnętrze z bakłażanem - jako stojące ”na skrzyżowaniu dróg zachodniego malarstwa, gdzie klasyczna zewnętrzna, w przeważającej mierze reprezentacyjna sztuka przeszłości spotykała się z prowizorycznym, zinternalizowanym i autoreferencyjnym etosem przyszłości"1.

Elementy zawarte w Matisse "zatopią swoją indywidualną tożsamość w tym, co stało się długotrwałą medytacją nad sztuką i życiem, przestrzenią, czasem, percepcją i naturą samej rzeczywistości.

„2 Albo mówiąc o wiele prościej, namalował osobistą rzeczywistość, świat tak, jak go postrzegał i przeżywał, w sposób, który miał dla niego sens.

Jeśli spojrzysz na jego wcześniejsze obrazy, takie jak Harmonia w kolorze czerwonym, namalowany w 1908 roku, zobaczysz, że Matisse pracował nad tym stylem Studio Red, nie wyskoczyło znikąd.

Ale cała perspektywa jest błędna...

Matisse nie „źle” zrozumiał perspektywę, namalował ją tak, jak chciał. Spłaszczył perspektywę w pokoju i zmienił ją w zależności od tego, jak postrzegamy perspektywę naszymi oczami.

Kwestia uzyskania „właściwej” perspektywy ma zastosowanie tylko wtedy, gdy próbujesz malować w stylu realistycznym, czyli tworzyć iluzję rzeczywistości i głębi w obrazie. Jeśli to nie jest Twoim celem, nie możesz „źle” spojrzeć na perspektywę. I nie chodzi też o to, że Matisse nie wiedział, jak to zrobić „dobrze”; po prostu postanowił tego nie robić w ten sposób.

Obraz jest ostatecznie przedstawieniem lub wyrazem czegoś odtworzonego w dwóch wymiarach, nie musi tego robić jako iluzji trzech wymiarów. Zachodnie style malarskie przed renesansem nie korzystały z tego, co obecnie uważamy za tradycyjną perspektywę (np. Gotyk). Chińskie i japońskie formy sztuki nigdy nie miały. Kubizm celowo rozbija perspektywę, przedstawiając pojedynczy przedmiot z kilku punktów widzenia.

Nie dajcie się zwieść myśleniu Studio Red to całkowicie płaski obraz lub styl. W pomieszczeniu wciąż jest wrażenie głębi, stworzone przez rozmieszczenie elementów. Na przykład po lewej stronie znajduje się linia, w miejscu styku podłogi i ściany (1). Meble można zredukować do konturów, ale krawędzie stołu nadal są nachylone, gdy oddalają się (2), podobnie jak krzesło (3). Obrazy z tyłu są wyraźnie podparte o ścianę (4), mimo że nie ma oddzielenia ścian bocznych / tylnych (5) w sposób, w jaki istnieje między podłogą a ścianą boczną. Ale i tak czytamy, że krawędź dużego obrazu znajduje się w rogu.

Można nawet powiedzieć, że każdy element obrazu doświadcza perspektywy, ale jest przedstawiony tak, jakby artysta widział tylko ją. Krzesło jest w dwupunktowej perspektywie, stół w jednym, okno również jest zagłębione do znikającego punktu. Są zestawione, prawie kolaż różnych poglądów.

Zwodniczo prosty obraz

Uważam, że to obraz o pozornie prostej kompozycji. Mogłoby się wydawać, że Matisse wrzucał rzeczy na płótno w jakimkolwiek starym miejscu, albo że najpierw pomalował stół, a potem musiał czymś wypełnić resztę miejsca. Ale spójrz na sposób, w jaki ułożenie elementów prowadzi wzrok po obrazie.

Na zdjęciu zaznaczyłem, jakie są dla mnie najsilniejsze linie kierunkowe, przesuwając oko w górę od dołu iz tyłu od krawędzi, dookoła i dookoła, aby objąć wszystko. Oczywiście można to zobaczyć w inny sposób, na przykład z góry po prawej, a następnie po lewej stronie. (Chociaż sposób czytania obrazu zależy od kierunku, w którym czytasz tekst).

Zastanów się, jak namalował różne elementy, które są zredukowane do konturów i które są wyeksponowane. Zwróć uwagę, że nie ma cieni, ale na szybie jest odbite światło. Mruż oczy, aby zobaczyć obszary światła ton jaśniej i jak stworzyć jedność w kompozycji.

Nie widać tego na zdjęciu, ale kontury nie są pomalowane na czerwono, ale kolory poniżej czerwieni prześwitują. (Jeśli pracujesz w akwareli, musisz zamaskować te obszary, a akrylem prawdopodobnie pomaluj go na wierzchu, biorąc pod uwagę, jak szybko wysychają, ale olejami można zadraśnięcie do dolnego koloru, jeśli ta warstwa była sucha.)

"Matisse nie tylko zalał swoją malarską przestrzeń płaskim, monochromatycznym jeziorem o pełnym nasyceniu, zasłaniając ukośny kąt studia; ponadto wszystko trójwymiarowe traktował jako nic innego jak wpisane kontury. Tymczasem jedyne obiekty, na które można uzyskać pełny kolor lub modelowanie, są koncepcyjnie płaskie ze względu na ich istnienie same w sobie płaskie - to znaczy okrągła płyta na pierwszym planie i obrazy zawieszone na ścianie lub ułożone w stos to."
- Daniel Wheeler, Sztuka od połowy wieku, str. 16.

Malarstwo autobiograficzne

Elementy w Studio Red zapraszają do świata Matisse'a. Dla mnie „pusty” kawałek na pierwszym planie oznacza przestrzeń na podłodze, na której stanęłabym wśród rzeczy w studiu. Elementy tworzą rodzaj gniazda, w którym odbywa się proces twórczy.

Wszystkie przedstawione obrazy są jego autorstwa, podobnie jak rzeźby (1 i 2). Zwróć uwagę na pudełko ołówków lub węgla drzewnego (3) na stole i jego sztalugę (4). Dlaczego zegar nie ma wskazówek (5)?

Czy Matisse opisuje proces twórczy? Stół pełni rolę pojemnika na pomysły związane z jedzeniem i piciem, przyrodą i materiałami artysty; esencja życia artysty. Przedstawione są różne tematy: portrety, martwa natura, pejzaże. Okienko do oświetlenia. Upływ czasu jest oznaczany zarówno przez zegar, jak i oprawione / nieoprawione (niedokończone?) Obrazy. Porównuje się trójwymiarowość świata z rzeźbami i wazonem. Wreszcie kontemplacja, krzesło ustawione do oglądania sztuki.

Studio Red nie był początkowo czerwony. Zamiast tego „pierwotnie było niebieskoszarym wnętrzem, bardziej odpowiadającym bieli studia Matisse'a, tak jak było w rzeczywistości. Ten dość mocny niebiesko-szary nadal można zobaczyć nawet gołym okiem wokół górnej części zegara i pod cieńszą farbą po lewej stronie. To, co zmusiło Matisse'a do przekształcenia swojego studia za pomocą tej olśniewającej czerwieni, było przedmiotem dyskusji: zostało nawet zasugerowane że był stymulowany w najbardziej spostrzegawczy sposób przez powidok zieleni z ogrodu w upalny dzień."
- John Gage, Kolor i kultura p212.

W niej biografia (strona 81) Hilary Spurling mówi: „Odwiedzający Issy [Studio Matisse'a] od razu zrozumieli, że nikt wcześniej nie widział ani nie wyobrażał sobie czegoś takiego... [Obraz Red Studio] wyglądał jak oddzielony fragment ściany z prymitywnymi obiektami unoszącymi się lub zawieszonymi na nim... Odtąd (1911) malował rzeczywistości, które istniały tylko w jego umyśle."

To nie jest nawet dobrze pomalowane...

• "Wygląda na to, że nie mógł zdecydować, gdzie położyć rzeczy."
• „To po prostu mieszanka kawałków bez względu na projekt kompozycji”.
• „Mógłby przedstawić swoje uczucia do tego pokoju swoimi dziełami w znacznie przyjemniejszy sposób i być może nie musiałby tego wyjaśniać”.
• „Kawałki nie są nawet dobrze pomalowane”.

Komentarze takie jak te (zamieszczone na Forum Malarstwa) nasuwają pytanie: „Co definiujesz jako„ dobrze namalowane ”? Czy potrzebujesz realistycznych, drobnych szczegółów? Czy masz na myśli malarsko gdzie możesz wyraźnie zobaczyć, co to jest, ale jest też wyczucie pociągnięć farby / pędzla użytych do stworzenia obrazu? Czy może przekazać sens rzeczy bez drobnych szczegółów? Czy dopuszczalny jest pewien stopień abstrakcji?

Ostatecznie sprowadza się to do osobistych preferencji i mamy szczęście żyć w erze, w której istnieje tak wiele stylów. Jednak tylko malowanie obiektów tak, aby wyglądały jak realistyczne przedstawienia siebie, bardzo ogranicza moim zdaniem potencjał farby. Realizm to tylko jeden styl malowania. Wielu osobom wydaje się to „właściwe” ze względu na wpływ fotografii, to znaczy obraz wygląda dokładnie tak, jak to, co przedstawia. Ale to ogranicza potencjał medium (i fotografii).

Wiedza o tym, co lubisz, a czego nie, jest częścią rozwijania własnego stylu. Ale odrzucenie pracy artysty bez zastanowienia się, dlaczego jej się nie podoba lub nie wiedząc, dlaczego jest uważana za wielką transakcję, to odcięcie potencjalnej drogi odkryć. Częścią bycia malarzem jest otwartość na możliwości, eksperymentowanie po prostu, aby zobaczyć, dokąd cię to zaprowadzi. Nieoczekiwane rzeczy mogą pochodzić z nieoczekiwanych źródeł. Raz po raz dostaję e-maile od ludzi, którzy zajmowali się różnymi Projekty malarskie mówiąc, że nigdy wcześniej nie zrobili czegoś podobnego i byli mile zaskoczeni wynikami. Na przykład: The Worrier and Pinpointing the Problem!.

Nie sądzę, żebym kiedykolwiek polubił obrazy Matisse'a

Lubienie dzieła artysty to nie to samo, co zrozumienie jego znaczenia na osi czasu sztuki. Jesteśmy dziś tak przyzwyczajeni do „złej” perspektywy, że nie poświęcamy jej zbyt wiele uwagi (niezależnie od tego, czy nam się to podoba, czy nie). Ale na pewnym etapie artysta był pierwszym, który to zrobił.

Część uznania dla The Red Studio pochodzi z kontekstu, w jakim Matisse pracował i koncepcji, a nie tylko z samego obrazu. Porównywalnym przykładem mogą być malowidła kolorowe Rothko; trudno wyobrazić sobie czas, w którym pokrycie płótna samym kolorem było bezprecedensowe.

Kto zostanie wpisany do książek jako mistrz, to kwestia mody i do pewnego stopnia szczęścia, będąc w we właściwych miejscach lub galeriach we właściwym czasie, a naukowcy i kuratorzy szukają informacji i piszą o nich praca. Matisse przeszedł przez okres odrzucenia go jako jedynie dekoracyjnego (i gorzej), ale został ponownie oceniony i otrzymał bardziej znaczącą rolę. Teraz jest ceniony za swoją prostotę, użycie kolorów, swój projekt.