Biografia Miltona Avery'ego, amerykańskiego modernistycznego malarza

Milton Avery (7 marca 1885 r. - 3 stycznia 1965 r.) Był amerykańskim modernistycznym malarzem. Stworzył unikalny styl sztuki reprezentacyjnej, wyabstrahowany w najbardziej podstawowe kształty i kolory. Jego sława jako artysty rosła i spadała za jego życia, ale późniejsze powtórne oceny stawiają go w gronie najważniejszych amerykańskich artystów XX wieku.

Najważniejsze fakty: Milton Avery

Urodzony jako syn garbarza, Milton Avery stał się pracującym artystą stosunkowo późno. Jego rodzina mieszkała w stanie Nowy Jork, kiedy się urodził, a kiedy miał 13 lat, przeprowadzili się do Connecticut. Avery rozpoczął pracę w Hartford Machine and Screw Company w wieku 16 lat i rozpoczął pracę w szerokim zakresie prac fabrycznych w celu utrzymania siebie i swojej rodziny. W 1915 r., Kiedy miał 30 lat, śmierć szwagra spowodowała, że ​​Avery był jedynym dorosłym mężczyzną w 11-osobowej rodzinie.

Pracując w fabrykach, Milton Avery uczestniczył w zajęciach z liternictwa prowadzonych przez Connecticut League of Art Students. Niestety kurs zakończył się po pierwszym miesiącu. Założyciel ligi, Charles Noel Flagg, wkroczył i zachęcił Avery do udziału w zajęciach rysowania życia. Postępował zgodnie z radą i zaczął uczęszczać na zajęcia plastyczne wieczorem po ośmiu godzinach pracy w fabryce.

W 1920 roku Avery spędził lato w Gloucester w stanie Massachusetts, aby malować z natury w plenerze. Było to pierwsze z wielu lat, które spędzał szukając inspiracji do malowania od czasu spędzonego na podziwianiu przyrody. Latem 1924 roku poznał Sally Michel i rozpoczął romantyczny związek. Po ślubie pary w 1926 r. Podjęli niekonwencjonalną decyzję, aby Sally wspierała ich poprzez pracę ilustracyjną, aby Milton mógł kontynuować studia artystyczne bez rozpraszania uwagi. „Scena portowa” i jej ciche przedstawienie łodzi w marinie reprezentują prace Avery'ego w tym okresie.

Kiedy Milton i Sally przeprowadzili się do Nowego Jorku pod koniec lat 20. XX wieku, obraz Miltona był nadal bardzo tradycyjny, czerpiąc wiele inspiracji z klasyki impresjonizm. Po przeprowadzce przejście na modernizm umożliwiło rozwój dojrzałego stylu Avery.

Jednym z najsilniejszych wpływów Miltona Avery'ego na rozwój jego malarstwa było dzieło postimpresjonista Francuski malarz Henri Matisse. Jasne kolory i spłaszczenie perspektywy w dwóch wymiarach są kluczowymi elementami podejścia Avery'ego. Podobieństwa były tak widoczne, że Avery był czasami określany jako „American Fauve”, odnoszący się do francuskiego ruchu z początku XX wieku, Fauvism, która zmieniła się od surowego realizmu do jaskrawego koloru nacisku na kształty i pociągnięcia pędzlem.

Avery miał trudności z przyjęciem do głównego nurtu sztuki w Nowym Jorku z lat 30. XX wieku, który był zdominowany przez szorstki realizm społeczny z jednej strony i sięganie po czystą niereprezentatywną abstrakcję z inny. Wielu obserwatorów uważało go za staroświecki, dążąc do stylu, który wciągnął prawdziwy świat w jego świat najbardziej podstawowe jasne kolory i kształty, ale stanowczo odmówił porzucenia reprezentacyjnego przywiązania rzeczywistość.

Pomimo braku powszechnej akceptacji, Avery znalazł zachętę od dwóch konkretnych osób w latach 30. XX wieku. Słynny finansista z Wall Street i mecenas sztuki współczesnej Roy Neuberger uważał, że twórczość Miltona Avery'ego zasługuje na szersze uznanie. Zaczął kolekcjonować prace artysty obrazem „Gaspe Landscape”, który wciąż wisiał na ścianie w mieszkaniu Neubergera po jego śmierci w 2010 roku. Ostatecznie kupił ponad 100 obrazów Avery i ostatecznie podarował wiele muzeom na całym świecie. Obecność prac Avery'ego w kolekcjach na całym świecie pomogła mu ugruntować swoją reputację kilkadziesiąt lat po jego śmierci.

W latach trzydziestych Avery również zaprzyjaźniła się z innymi artystami Mark Rothko. Prace Avery'ego silnie wpłynęły na przełomowe obrazy pól kolorowych tego ostatniego. Później Rothko napisał, że dzieło Miltona Avery'ego ma „porywający liryzm”.

Po indywidualnej wystawie w Phillips Collection w Waszyngtonie w 1944 roku gwiazda Avery wreszcie zaczęła rosnąć. Był przedmiotem dwóch równoległych wystaw w 1945 roku w galeriach prowadzonych przez Paula Rosenberga i Durand-Ruel w Nowym Jorku. Pod koniec dekady Avery był jednym z najlepszych amerykańskich malarzy modernistycznych pracujących w Nowym Jorku.

Tragedia uderzyła w 1949 roku. Milton Avery doznał ogromnego zawału serca. Powodowało to ciągłe problemy zdrowotne, z których artysta nigdy całkowicie nie wyzdrowiał. Dealer sztuki Paul Rosenberg odniósł kolejny cios, kończąc swój związek z Avery w 1950 roku i sprzedając swój zapas 50 obrazów Royowi Neubergerowi po niskiej cenie. Wpływ natychmiast obniżył cenę wywoławczą nowych prac Avery.

Pomimo uderzeń w swoją profesjonalną reputację, Avery kontynuował pracę, kiedy odzyskał wystarczającą siłę, aby tworzyć nowe obrazy. Pod koniec lat 50. świat sztuki zaczął przyglądać się jego twórczości. W 1957 roku słynny krytyk sztuki Clement Greenberg napisał, że nie docenił wartości twórczości Miltona Avery'ego. W 1960 roku Whitney Museum of American Art zorganizowało retrospektywę Avery.

Avery spędził lata od 1957 do 1960 roku w Provincetown, Massachusetts, nad oceanem. To była inspiracja dla odważnych kolorów i ogromnego rozmiaru jego późnej kariery. Historycy sztuki uważają, że dzieło na dużą skalę ekspresjonizm abstrakcyjny malarze wpłynęli na decyzję Avery'ego o stworzeniu obrazów o szerokości sześciu stóp.

Utwór taki jak „Clear Cut Landscape” Miltona Avery'ego pokazuje jego styl późnej kariery. Podstawowe kształty są prawie tak proste, że można je wycinać z papieru, ale nadal można je dostrzec jako elementy widoku krajobrazu. Odważne kolory powodują, że obraz praktycznie skacze z płótna dla widza.

Chociaż Avery odzyskał pewien stopień akceptacji wśród krytyków sztuki i historyków, nigdy więcej nie osiągnął poziomu sławy, którego doświadczył w latach 40. XX wieku. Trudno wiedzieć, czy wzrost i uznanie miały osobisty wpływ na artystę. Niewiele pisał o swoim życiu i rzadko pojawiał się publicznie. Jego dzieło ma mówić same za siebie.

Milton Avery doznał kolejnego zawału serca na początku lat sześćdziesiątych i ostatnie lata życia spędził w szpitalu na Bronksie w Nowym Jorku. Zmarł cicho w 1965 roku. Jego żona, Sally, przekazała swoje osobiste dokumenty Smithsonian Institution.

Reputacja Avery'ego wśród amerykańskich artystów XX wieku wzrosła jeszcze bardziej w dziesięcioleciach po jego śmierci. Jego malarstwo znalazło unikalny środek między reprezentacją a abstrakcją. Kiedy rozwinął swój dojrzały styl, Avery pozostał niezachwiany w pogoni za swoją muzą. Chociaż jego płótna stały się większe, a kolory odważniejsze pod koniec kariery, jego obrazy były udoskonaleniem wcześniejszych prac, a nie zmianą kierunku.

Kolorowi malarze polowi, tacy jak Mark Rothko, Barnett Newman i Hans Hofmann być może najbardziej znaczący dług wobec nowego gruntu, który złamał Milton Avery. Pokazał sposób na wyodrębnienie swojej pracy w najbardziej elementarne kształty i kolory, zachowując silny związek z prawdziwą istotą przedmiotu.

• Haskell, Barbara. Milton Avery. Harper & Row, 1982.
• Hobbs, Robert. Milton Avery: The Late Paintings. Harry N. Abrams, 2011.