Radość z malowania w XXI wieku polega na szerokiej gamie dostępnych form wyrazu. Pod koniec XIX i XX wieku artyści dokonali ogromnego skoku w stylach malarskich. Na wiele z tych innowacji wpłynęły postępy technologiczne, takie jak wynalezienie metalowej rurki do malowania i ewolucja fotografia, a także zmiany konwencji społecznych, polityki i filozofii, a także wydarzenia na świecie.
Ta lista przedstawia siedem głównych stylów sztuki (czasem określanych jako „szkoły” lub „ruchy”), niektóre bardziej realistyczne niż inne. Chociaż nie będziesz częścią oryginalnego ruchu - grupy artystów, którzy ogólnie podzielają to samo malowanie stylu i pomysłów w określonym czasie w historii - nadal możesz malować według stylów, których używali. Ucząc się o tych stylach i widząc, co stworzyli pracujący w nich artyści, a następnie eksperymentując z różnymi podejściami, możesz zacząć rozwijać i pielęgnować swój własny styl.
Realizm, w którym temat obrazu bardziej przypomina rzeczywistość niż stylizację czy abstrakcję, jest stylem wielu ludzi jako „prawdziwa sztuka”. Tylko wtedy, gdy zbadane z bliska, to, co wydaje się być jednolitymi kolorami, ujawnia się jako seria pociągnięć pędzla wielu kolorów i wartości.
Realizm jest dominującym stylem malarskim od czasów renesans. Artysta wykorzystuje perspektywę, aby stworzyć iluzję przestrzeni i głębi, ustawiając kompozycję i oświetlenie tak, aby temat wydawał się prawdziwy. Leonardo da Vinci's "Mona Lisa„to klasyczny przykład stylu.
Styl malarski pojawił się jako Rewolucja przemysłowa ogarnęła Europę w pierwszej połowie XIX wieku. Wyzwoleni przez wynalazek metalowej tuby z farbą, która pozwoliła artystom wyjść poza studio, malarze zaczęli koncentrować się na samym malowaniu. Tematy zostały oddane realistycznie, jednak malarze nie starali się ukryć swojej pracy technicznej.
Jak sama nazwa wskazuje, nacisk kładziony jest na akt malowania: charakter pędzla i samych pigmentów. Artyści pracujący w tym stylu nie próbują ukryć tego, co zostało użyte do stworzenia obrazu, wygładzając teksturę lub ślady pozostawione w farbie za pomocą pędzla lub innego narzędzia, takiego jak nóż do palet. Obrazy z Henri Matisse są doskonałymi przykładami tego stylu.
Impresjonizm pojawił się w latach 80. XIX wieku w Europie, gdzie artyści tacy jak Claude Monet starali się uchwycić światło nie poprzez szczegół realizmu, ale gestem i iluzją. Nie musisz zbytnio zbliżać się do lilii wodnych Moneta lub słoneczników Vincenta Van Gogha, aby zobaczyć odważne akcenty koloru, jednak nie ma wątpliwości, na co patrzysz.
Przedmioty zachowują swój realistyczny wygląd, ale mają w sobie żywiołowość, która jest unikalna dla tego stylu. Trudno uwierzyć, że kiedy impresjoniści po raz pierwszy pokazywali swoje prace, większość krytyków nienawidziła ich i wyśmiewała. To, co wówczas uważano za niedokończony i szorstki styl malowania, jest teraz ukochane i czczone.
Ekspresjonizm i Fauvism to podobne style, które zaczęły pojawiać się w studiach i galeriach na przełomie XX i XXI wieku. Oba charakteryzują się odważnymi, nierealistycznymi kolorami wybranymi, aby nie przedstawiać życia takim, jakim ono jest, ale raczej takim, jakie odczuwa lub wydaje się artyście.
Te dwa style różnią się pod pewnymi względami. Ekspresjoniści, w tym Edvard Munch, starali się przekazać groteskę i horror w życiu codziennym, często z hiper-stylizowanym pędzlem i przerażającymi obrazami, takimi jak kiedyś, które dawały mu efekt obraz "Krzyk."
Fawiści, pomimo nowatorskiego użycia koloru, starali się tworzyć kompozycje, które przedstawiały życie w wyidealizowanej lub egzotycznej naturze. Pomyśl o zboczonych tancerzach Henri Matisse lub pasterskich scenach George'a Braque'a.
Wraz z rozwojem pierwszych dekad XX wieku w Europie i Ameryce malarstwo stało się mniej realistyczne. Abstrakcja polega na malowaniu esencji przedmiotu tak, jak interpretuje go artysta, a nie na widocznych szczegółach. Malarz może zredukować obiekt do dominujących kolorów, kształtów lub wzorów, jak Pablo Picasso zrobił ze swoim słynnym muralem trzech muzyków. Wykonawcy, wszystkie ostre linie i kąty, nie wyglądają na najmniej prawdziwe, ale nie ma wątpliwości, kim są.
Albo artystka może usunąć temat z kontekstu lub powiększyć jego skalę, jak zrobiła to Georgia O'Keeffe w swojej pracy. Jej kwiaty i muszle, pozbawione drobnych szczegółów i unoszące się na abstrakcyjnym tle, mogą przypominać rozmarzone krajobrazy.
Dzieło czysto abstrakcyjne, podobnie jak większość abstrakcyjnego ruchu ekspresjonistycznego lat 50., aktywnie unika realizmu, rozkoszując się subiektywizmem. Przedmiotem lub punktem obrazu są użyte kolory, tekstury w grafice i materiałach użytych do jej stworzenia.
Kroplowe obrazy Jacksona Pollocka mogą dla niektórych wyglądać jak gigantyczny bałagan, ale nie można zaprzeczyć że malowidła ścienne, takie jak „Number 1 (Lavender Mist)”, mają dynamiczną, kinetyczną jakość, która Cię utrzymuje zainteresowanie. Inni twórcy abstrakcyjni, tacy jak Mark Rothko, sami upraszczali swój temat kolorami. Kolorowe pola działają podobnie jak jego dzieło z 1961 r. „Pomarańczowy, czerwony i żółty”: trzy bloki pigmentu, w których można się zatracić.
Fotorealizm rozwinął się pod koniec lat 60. i 70. w reakcji na ekspresjonizm abstrakcyjny, który dominował w sztuce od lat 40. XX wieku. Ten styl często wydaje się bardziej realny niż rzeczywistość, w której nie pomija się żadnych szczegółów, a wada nie jest nieznaczna.
Niektórzy artyści kopiują zdjęcia, wyświetlając je na płótnie, aby dokładnie uchwycić dokładne szczegóły. Inni robią to odręcznie lub korzystają z systemu siatki, aby powiększyć wydruk lub zdjęcie. Jednym z najbardziej znanych malarzy fotorealistycznych jest Chuck Close, którego zdjęcia w stylu muralu innych artystów i celebrytów oparte są na migawkach.