54 Słynne obrazy autorstwa znanych artystów

Bycie sławnym artystą za życia nie gwarantuje, że inni artyści Cię zapamiętają. Czy słyszałeś o francuskim malarzu Erneście Meissonierze?

Był współcześnie z Edouardem Manetem i zdecydowanie odnoszącym większe sukcesy artystą, jeśli chodzi o uznanie krytyków i sprzedaż. Odwrotna sytuacja jest również prawdą, w przypadku Vincenta van Gogha. Van Gogh polegał na swoim bracie, Theo, który dostarczył mu farby i płótno, ale dziś jego obrazy osiągają rekordowe ceny, ilekroć pojawiają się na aukcji dzieł sztuki, a on jest powszechnie znany.

Patrząc na słynne obrazy z przeszłości i teraźniejszości, możesz nauczyć się wielu rzeczy, w tym kompozycji i posługiwania się farbą. Chociaż prawdopodobnie najważniejszą lekcją jest to, że powinieneś ostatecznie malować dla siebie, a nie dla rynku lub potomności.

„Straż nocna” - Rembrandt

Obraz "Straż nocna" wg Rembrandt jest w Rijksmuseum w Amsterdamie. Jak widać na zdjęciu, jest to ogromny obraz: 363x437cm (143x172 ").

Rembrandt ukończył go w 1642 roku. Jej prawdziwy tytuł to „The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch”, ale jest lepiej znany jako Straż nocna. (Firma będąca strażnikiem milicji).

Kompozycja obrazu była bardzo różna w tym okresie. Zamiast pokazywać postacie w schludny, uporządkowany sposób, w którym każdy dostał taką samą widoczność i przestrzeń na płótnie, Rembrandt namalował je jako ruchliwą grupę w akcji.

Około 1715 r. Na „Nocnej straży” namalowano tarczę zawierającą nazwiska 18 osób, ale zidentyfikowano tylko niektóre z nich. (Więc pamiętaj, jeśli malujesz portret grupowy: narysuj na odwrocie diagram z nazwiskami wszystkich osób w przyszłości pokolenia będą wiedzieć!) W marcu 2009 roku holenderski historyk Bas Dudok van Heel w końcu odkrył tajemnicę, kto jest kim w obraz. Jego badania znalazły nawet elementy odzieży i akcesoriów przedstawionych w „Nocnej straży”, o których mowa w inwentarzach majątki rodzinne, które następnie zestawił z wiekiem różnych milicjantów w 1642 roku, roku, w którym powstał obraz zakończony.

Dudok van Heel odkrył również, że w hali, w której po raz pierwszy powieszono „Nocną straż” Rembrandta, było sześć grup portrety milicji pierwotnie wyświetlane w ciągłej serii, a nie sześć oddzielnych obrazów, jak od dawna myśl. Raczej sześć portretów grupowych autorstwa Rembrandta, Pickenoya, Bakkera, Van der Helsta, Van Sandrarta i Flincka tworzyło nieprzerwany fryz, pasujący do siebie nawzajem i osadzony w drewnianej boazerii pokoju. Albo taki był zamiar. „Nocna straż” Rembrandta nie pasuje do innych obrazów ani kompozycją, ani kolorem. Wygląda na to, że Rembrandt nie przestrzegał warunków swojego zlecenia. Ale gdyby tak było, nigdy nie mielibyśmy tego uderzająco odmiennego, zbiorowego portretu z XVII wieku.

„Zając” - Albrecht Dürer

Powszechnie nazywany królikiem Dürera, oficjalny tytuł tego obrazu nazywa go zającem. Obraz znajduje się w stałej kolekcji Kolekcja Batliner z Muzeum Albertina w Wiedniu, Austria.

Został namalowany akwarelą i gwaszem, z białymi akcentami wykonanymi gwaszem (a nie niepomalowaną bielą papieru).

To spektakularny przykład tego, jak można malować futra. Aby to naśladować, podejście, które podejmiesz, zależy od tego, ile masz cierpliwości. Jeśli masz olejek, będziesz malować cienkim pędzelkiem, po jednym włosku. W przeciwnym razie użyj techniki suchego pędzla lub podziel włosy na pędzelku. Cierpliwość i wytrwałość to podstawa. Pracuj zbyt szybko na mokrej farbie, a poszczególne pociągnięcia mogą się stopić. Nie kontynuuj wystarczająco długo, a futro będzie wydawać się wytarte.

Fresk na suficie Kaplicy Sykstyńskiej - Michelangelo

Obraz Michała Anioła przedstawiający sufit Kaplicy Sykstyńskiej jest jednym z najsłynniejszych fresków na świecie.

Kaplica Sykstyńska to duża kaplica w Pałacu Apostolskim, oficjalnej rezydencji papieża (przywódcy Kościoła katolickiego) w Watykanie. Ma wiele namalowanych fresków, autorstwa niektórych z największych nazwisk renesansu, w tym freski ścienne autorstwa Berniniego i Rafaela, ale najbardziej znany jest z fresków na suficie autorstwa Michała Anioła.

Michał Anioł urodził się 6 marca 1475 roku i zmarł 18 lutego 1564 roku. Michał Anioł pracował na zlecenie papieża Juliusza IIsufit Kaplicy Sykstyńskiej od maja 1508 do października 1512 (od września 1510 do sierpnia 1511 nie wykonano żadnych prac). Kaplicę otwarto 1 listopada 1512 r., W uroczystość Wszystkich Świętych.

Kaplica ma 40,23 m długości, 13,40 m szerokości, a strop 20,70 m nad ziemią w najwyższym punkcie.¹. Michał Anioł namalował serię scen biblijnych, proroków i przodków Chrystusa, a także trompe l'oeil lub elementy architektury. Główny obszar sufitu przedstawia historie z Księgi Rodzaju, w tym o stworzeniu ludzkości, upadku człowieka z łaski, potopie i Noem.

Sufit Kaplicy Sykstyńskiej: szczegół

Panel przedstawiający stworzenie człowieka jest prawdopodobnie najbardziej znaną sceną ze słynnego fresku Michała Anioła na suficie Kaplicy Sykstyńskiej.

Kaplica Sykstyńska w Watykanie ma wiele namalowanych fresków, ale najbardziej znana jest z fresków na suficie autorstwa Michała Anioła. W latach 1980-1994 watykańscy znawcy sztuki dokonali gruntownej renowacji, usuwając wielowiekowy dym ze świec i poprzednich prac konserwatorskich. To ujawniło kolory znacznie jaśniejsze niż wcześniej sądzono.

Pigmenty zastosowane przez Michała Anioła obejmowały ochrę do czerwieni i żółci, krzemiany żelaza do zieleni, lapis lazuli do błękitu i węgiel do czerni.¹ Nie wszystko jest namalowane tak szczegółowo, jak się wydaje. Na przykład postacie na pierwszym planie są pomalowane bardziej szczegółowo niż te w tle, co potęguje wrażenie głębi sufitu.

Więcej o Kaplicy Sykstyńskiej:

• Muzea Watykańskie: Kaplica Sykstyńska
• Wirtualna wycieczka po Kaplicy Sykstyńskiej

Źródła:
1 Muzea Watykańskie: Kaplica Sykstyńska, strona internetowa Państwa Watykańskiego, dostęp 9 września 2010.

Notatnik Leonardo da Vinci

Renesansowy artysta Leonardo da Vinci słynie nie tylko ze swoich obrazów, ale także z zeszytów. To zdjęcie przedstawia jeden z Muzeum V&A w Londynie.

Muzeum V&A w Londynie ma w swojej kolekcji pięć zeszytów Leonarda da Vinci. Ten, znany jako Codex Forster III, był używany przez Leonarda da Vinci w latach 1490-1493, kiedy pracował w Mediolanie dla księcia Ludovico Sforzy.

To mały notatnik, którego rozmiar można z łatwością przechowywać w kieszeni płaszcza. Jest wypełniony różnego rodzaju pomysłami, notatkami i szkicami, w tym „szkice końskich nóg, rysunki kapelusze i ubrania, które mogły być pomysłami na kostiumy na balach, a także opis anatomii człowieka głowa."¹ Chociaż nie możesz przewracać stron notatnika w muzeum, możesz go przeglądać online.

Czytanie jego pisma nie jest łatwe, między stylem kaligrafii a pisaniem lustrzanym (do tyłu, od prawej do lewej), ale niektórzy uważają, że fascynujące jest to, jak łączy wszystkie rodzaje w jednym notatnik. To działający notatnik, a nie wizytówka. Jeśli kiedykolwiek martwiłeś się, że twój dziennik kreatywności nie został w jakiś sposób poprawnie wykonany lub zorganizowany, przejmij inicjatywę od tego mistrza: rób to, ile potrzebujesz.

<sub>Źródło:
1. Poznaj Forster Codices, V&A Museum. (Dostęp 8 sierpnia 2010 r.)</sub>

„Mona Lisa” - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciObraz „Mona Lisa” w paryskim Luwrze jest prawdopodobnie najbardziej znanym obrazem na świecie. Jest to prawdopodobnie również najbardziej znany przykład sfumato, technika malarska częściowo odpowiedzialna za jej enigmatyczny uśmiech.

Było wiele spekulacji na temat tego, kim była kobieta na obrazie. Uważa się, że jest to portret Lisy Gherardini, żony florenckiego handlarza suknem Francesco del Giocondo. (XVI-wieczny pisarz artystyczny Vasari był jednym z pierwszych, którzy zasugerowali to w swoich „Żywotach artystów”). Sugerowano również, że powodem jej uśmiechu była ciąża.

Historycy sztuki wiedzą Leonardo rozpoczął "Mona Lisę" w 1503 r., a zapis o nim sporządził w tym roku starszy urzędnik florencki, Agostino Vespucci. Kiedy skończył, jest mniej pewne. Luwr pierwotnie datował obraz na lata 1503-06, ale odkrycia dokonane w 2012 roku sugerują, że mógł to być dekadę później, zanim został ukończony, na podstawie tła opartego na rysunku skał, z których wiadomo, że zrobił 1510-15.¹ Luwr zmienił daty na 1503-19 w marcu 2012 roku.

Źródło:
1. Mona Lisa mogła zostać ukończona dziesięć lat później niż myślano w The Art Newspaper autorstwa Martina Baileya, 7 marca 2012 r. (Dostęp: 10 marca 2012 r.)

Znani malarze: Monet w Giverny

Zdjęcia referencyjne do malarstwa: „Ogród w Giverny” Moneta.

Jednym z powodów, dla których malarz impresjonista Claude Monet jest tak sławny, są jego obrazy przedstawiające odbicia w stawach lilii, które stworzył w swoim dużym ogrodzie w Giverny. Inspirował przez wiele lat, aż do końca jego życia. Szkicował pomysły na obrazy inspirowane stawami, tworzył małe i duże obrazy zarówno jako pojedyncze prace, jak i serie.

Podpis Claude'a Moneta

Ten przykład, w jaki sposób Monet podpisywał swoje obrazy, pochodzi z jednego z jego obrazów na lilii wodnej. Widać, że podpisał ją imieniem i nazwiskiem (Claude Monet) oraz rokiem (1904). Znajduje się w prawym dolnym rogu, wystarczająco daleko, aby nie została odcięta przez ramę.

Pełne imię Moneta brzmiało Claude Oscar Monet.

„Impression Sunrise” - Monet

Ten obraz Moneta nadał nazwę styl impresjonistyczny sztuki. Wystawił go w 1874 roku w Paryżu na tzw. Pierwszej Wystawie Impresjonistów.

Recenzując wystawę, zatytułowaną „Wystawa impresjonistów”, krytyk sztuki Louis Leroy powiedział:

"Tapeta w swoim embrionalnym stanie jest bardziej wykończona niż ten morski krajobraz."

<sub>Źródło:
1. „L'Exposition des Impressionnistes” autorstwa Louisa Leroya, Le Charivari, 25 kwietnia 1874, Paryż. Przetłumaczone przez Johna Rewalda w Historia impresjonizmu, Moma, 1946, str. 256-61; cytowane w Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History, Bruce Altshuler, Phaidon, str. 42–43.</sub>

Seria „Stogi siana” - Monet

Monet często malował serię tego samego tematu, aby uchwycić zmieniające się efekty światła, zamieniając płótna w miarę upływu dnia.

Monet wielokrotnie malował wiele tematów, ale każdy z jego obrazów z serii jest inny, niezależnie od tego, czy jest to lilia wodna, czy stóg siana. Ponieważ obrazy Moneta są rozproszone w kolekcjach na całym świecie, zwykle tylko na specjalnych wystawach jego obrazy z serii są postrzegane jako grupa. Na szczęście Art Institute w Chicago ma w swojej kolekcji kilka obrazów Moneta ze stogami siana, ponieważ robią wrażenie oglądanie razem:

• Pszenica
• Odwilż, zachód słońca
• Zachód słońca, efekt śniegu
• Efekt śniegu, pochmurny dzień
• Koniec lata

W październiku 1890 roku Monet napisał list do krytyka sztuki Gustave'a Geffroya o serii stogów siana, który malował:

„Jestem w tym twarda, uparcie pracuję nad szeregiem różnych efektów, ale o tej porze roku słońce zachodzi tak szybko, że nie da się za nim nadążyć... im dalej idę, tym bardziej widzę, że trzeba wykonać dużo pracy, aby oddać to, czego szukam: `` natychmiastowość '', `` otoczka '' przede wszystkim, to samo światło rozlewa się na wszystko... Mam coraz większą obsesję na punkcie potrzeby oddania tego, czego doświadczam, i modlę się, aby zostało mi jeszcze kilka dobrych lat, ponieważ myślę, że mogę poczynić postęp w tym kierunku... ” ¹

<sup>Źródło: ​
1. Monet samodzielnie, str. 172, pod redakcją Richarda Kendalla, MacDonald & Co, Londyn, 1989.</sup>

„Lilie wodne” - Claude Monet

Claude Monet, „Lilie wodne”, c. 19140-17, olej na płótnie. Rozmiar 65 3/8 x 56 cali (166,1 x 142,2 cm). W kolekcji Muzea sztuk pięknych w San Francisco.

Monet jest chyba najbardziej znanym z impresjonistów, zwłaszcza ze swoich obrazów przedstawiających odbicia w stawie z liliami w swoim ogrodzie Giverny. Ten konkretny obraz przedstawia niewielki kawałek chmury w prawym górnym rogu i cętkowane błękitne niebo odbijane w wodzie.

Jeśli przestudiujesz zdjęcia ogrodu Moneta, takie jak ten ze stawem lilii Moneta i ten z kwiatami lilii, i porównasz je z tym obrazem, z pewnością wyczuć, jak Monet zredukował szczegóły w swojej sztuce, w tym tylko istotę sceny lub wrażenie odbicia, wody i lilii kwiat. Kliknij link „Wyświetl w pełnym rozmiarze” pod zdjęciem powyżej, aby uzyskać większą wersję, w której łatwiej jest poczuć pracę pędzla Moneta.

Francuski poeta Paul Claudel powiedział:

„Dzięki wodzie [Monet] stał się malarzem tego, czego nie widać. Zwraca się do niewidzialnej duchowej powierzchni, która oddziela światło od odbicia. Przewiewny lazur uwięziony w płynnym lazurze... Kolor unosi się z dna wody w chmurach, w wirach ”.

^Źródło:
Strona 262 Sztuka naszego stulecia - Jean-Louis Ferrier i Yann Le Pichon

Podpis Camille Pissarro

Malarz Camille Pissarro wydaje się być mniej znany niż wielu jego współczesnych (takich jak Monet), ale ma wyjątkowe miejsce na osi czasu sztuki. Pracował zarówno jako impresjonista, jak i neo-impresjonista, a także wywierał wpływ na znanych obecnie artystów, takich jak Cézanne, Van Gogh i Gauguin. Był jedynym artystą, który wystawił na wszystkich ośmiu wystawach Wystawy impresjonistów w Paryżu od 1874 do 1886.

Autoportret Van Gogha (1886/1887)

To portret przez Vincent van Gogh znajduje się w kolekcji Art Institute of Chicago. Został namalowany w stylu podobnym do puentylizmu, ale nie trzyma się ściśle kropek.

W ciągu dwóch lat spędzonych w Paryżu, od 1886 do 1888, Van Gogh namalował 24 autoportrety. Art Institute of Chicago opisał tę metodę jako wykorzystującą „technikę kropkową” Seurata nie jako metodę naukową, ale „intensywną język emocjonalny, „w którym” czerwone i zielone kropki przeszkadzają i całkowicie zgadzają się z napięciem nerwowym widocznym u van Gogha spojrzenie."

W liście kilka lat później do swojej siostry Wilhelminy Van Gogh napisał:

„Ostatnio namalowałem dwa zdjęcia przedstawiające siebie, z których jeden ma raczej prawdziwy charakter, jak sądzę, chociaż w Holandii zapewne szydziliby z kiełkujących pomysłów dotyczących malarstwa portretowego tutaj... Zawsze uważam zdjęcia za obrzydliwe i nie lubię ich mieć w pobliżu, szczególnie tych osób, które znam i kocham... portrety fotograficzne więdną znacznie szybciej niż my sami, a namalowany portret to rzecz odczuwalna, wykonywana z miłością lub szacunkiem dla portretowanego człowieka ”.

Źródło:
List do Wilhelminy van Gogh, 19 września 1889

Podpis Vincenta van Gogha

Nocna kawiarnia Van Gogha znajduje się teraz w kolekcji Yale University Art Gallery. Wiadomo, że Van Gogh podpisał tylko te obrazy, z których był szczególnie zadowolony, ale w przypadku tego obrazu niezwykłe jest to, że pod podpisem dodał tytuł „Le café de Nuit”.
Zwróć uwagę, że Van Gogh podpisał swoje obrazy po prostu „Vincent”, a nie „Vincent van Gogh” ani „Van Gogh”.

W liście do swojego brata Theo, napisanym 24 marca 1888 r., Napisał:

„W przyszłości należałoby umieścić moje nazwisko w katalogu, kiedy podpisuję je na płótnie, a mianowicie Vincent, a nie Van Gogh, z tego prostego powodu, że nie wiedzą, jak tutaj wymawiać to drugie imię”.

„Tutaj” to Arles na południu Francji.
Jeśli zastanawiałeś się, jak wymawia się Van Gogh, pamiętaj, że to holenderskie nazwisko, a nie francuskie czy angielskie. Tak więc „Gogh” jest wymawiane, więc rymuje się ze szkockim „loch”. To nie jest „goff” ani „go”.

Gwiaździsta noc - Vincent van Gogh

Ten obraz, który jest prawdopodobnie najsłynniejszym obrazem Vincenta van Gogha, znajduje się w kolekcji w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
Van Gogh malował Gwieździsta noc w czerwcu 1889 r., wspominając o gwieździe porannej w liście do swojego brata Theo, napisanym około 2 czerwca 1889 r.: „Dziś rano widziałem kraj z mojego okna na długo przed wschodem słońca, bez niczego poza gwiazdą poranną, która wyglądała na bardzo dużą. ”Gwiazda poranna (w rzeczywistości planeta Wenus, a nie gwiazda) jest ogólnie uważana za dużą białą, namalowaną na lewo od środka obrazu.
Wcześniejsze listy Van Gogha wspominają również o gwiazdach i nocnym niebie oraz o jego chęci ich malowania:

1. "Kiedy kiedykolwiek będę mógł robić rozgwieżdżone niebo, ten obraz, który zawsze jest w mojej głowie?" (List do Emile Bernard, około 18 czerwca 1888)
2. „Co do rozgwieżdżonego nieba, to mam wielką nadzieję, że je pomaluję i być może któregoś dnia to zrobię” (List do Theo van Gogha, około 26 września 1888).
3. „Obecnie absolutnie chcę namalować rozgwieżdżone niebo. Często wydaje mi się, że noc jest jeszcze bardziej barwna niż dzień; posiadające odcienie najbardziej intensywnych fiołków, błękitów i zieleni. Jeśli tylko zwrócisz na to uwagę, zobaczysz, że niektóre gwiazdy są cytrynowożółte, inne różowe lub zielone, niebieskie i niezapominajka... jest oczywiste, że umieszczenie małych białych kropek na niebiesko-czarnym tle nie wystarczy do namalowania gwiaździstego nieba. ”(List do Wilhelminy van Gogh, 16 września 1888)

The Restaurant de la Sirene, w Asnieres - Vincent van Gogh

Ten obraz Vincenta van Gogha znajduje się w kolekcji Ashmolean Museum w Oksfordzie w Wielkiej Brytanii. Van Gogh namalował go wkrótce po przyjeździe do Paryża w 1887 roku, aby zamieszkać ze swoim bratem Theo na Montmartre, gdzie Theo prowadził galerię sztuki.
Vincent po raz pierwszy miał styczność z obrazami impresjonistów (zwłaszcza Moneta) i spotkał się z takimi artystami jak Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard i Pissarro. W porównaniu z jego wcześniejszą pracą, w której dominowały ciemne odcienie ziemi typowe dla malarzy z północnej Europy, takich jak Rembrandt, obraz ten pokazuje wpływ tych artystów na niego.
Kolory, których użył, rozjaśniły się i rozjaśniły, a jego pędzel stał się luźniejszy i bardziej widoczny. Spójrz na te szczegóły z obrazu, a zobaczysz, jak użył małych pociągnięć czystego koloru, oddzielonych. Nie miesza kolorów na płótnie, ale pozwala, aby stało się to w oku widza. Próbuje zepsuty kolor podejście impresjonistów.
W porównaniu z jego późniejszymi obrazami paski koloru są rozstawione, a między nimi widać neutralne tło. Nie pokrywa jeszcze całego płótna nasyconym kolorem ani nie wykorzystuje możliwości użycia pędzli do stworzenia tekstury w samej farbie.

The Restaurant de la Sirene, at Asnieres, Vincent van Gogh (Detal)

Te szczegóły z obrazu Van Gogha The Restaurant de la Sirene w Asnieres (w zbiorach Muzeum Ashmolean) pokazują, jak on eksperymentował ze swoimi rysunkami i śladami pędzla po ekspozycji na obrazy impresjonistów i innych współczesnych paryżan artystów.

„Czterej tancerze” - Edgar Degas

Edgar Degas, Czterej tancerze, ok. 1899. Olej na płótnie. Rozmiar 59 1/2 x 71 cali (151,1 x 180,2 cm). w Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton.

„Portret matki artysty” - Whistler

To prawdopodobnie najsłynniejszy obraz Whistlera. Jego pełny tytuł to „Aranżacja w szarości i czerni nr 1, Portret matki artysty”. Jego matka zgodziła się pozować do obrazu, gdy zachorowała modelka, której używał Whistler. Początkowo poprosił ją, by pozowała na stojąco, ale jak widać, poddał się i pozwolił jej usiąść.
Na ścianie wisi akwaforta Whistlera „Przystań Czarnego Lwa”. Jeśli spojrzysz bardzo uważnie na zasłonę w lewym górnym rogu z ramy ryciny zobaczysz jaśniejszą smugę, to jest symbol motyla, którego Whistler używał do podpisywania swoich obrazów. Symbol nie zawsze był taki sam, ale się zmienił, a jego kształt jest używany do datowania jego dzieł. Wiadomo, że zaczął go używać w 1869 roku.

„Nadzieja II” - Gustav Klimt

„Kto chce się czegoś o mnie dowiedzieć - jako artysty, jedyna rzecz godna uwagi - powinien uważnie przyjrzeć się moim zdjęciom i spróbować zobaczyć w nich, kim jestem i co chcę robić”. Klimt.

Gustav Klimt malował Nadzieja II na płótnie w latach 1907/8 przy użyciu farb olejnych, złota i platyny. Ma wymiary 43,5 x 43,5 cala (110,5 x 110,5 cm). Obraz jest częścią kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
Nadzieja II jest pięknym przykładem Wykorzystanie przez Klimta złotego liścia w obrazach i jego bogaty styl zdobniczy. Spójrz na sposób, w jaki namalował ubranie noszone przez główną postać, jak to abstrakcyjny kształt ozdobiony kółkami, a mimo to nadal „czytamy” to jako płaszcz lub sukienkę. Jak na dole łączy się z trzema innymi twarzami.
W swojej ilustrowanej biografii Klimta krytyk sztuki Frank Whitford powiedział:

Klimt „użył prawdziwego złota i srebra płatkowego, aby jeszcze bardziej potęgować wrażenie, że obraz jest cennym przedmiotem, nie lustrem, w którym można dojrzeć naturę, ale starannie wykonanym artefaktem. " ²

To symbolika, która nadal jest uważana za aktualną w dzisiejszych czasach, biorąc pod uwagę, że złoto jest nadal uważane za cenny towar.
Klimt mieszkał w Wiedniu w Austrii i czerpał inspirację bardziej ze Wschodu niż z Zachodu, z „takich źródeł jak Sztuka bizantyjska, mykeńska metaloplastyka, perskie dywaniki i miniatury, mozaiki kościołów w Rawennie i język japoński ekrany ”. ³
Źródło:
1. Artyści w kontekście: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, Londyn, 1993), tylna okładka.
2. Tamże. p82.
3. Najważniejsze cechy MoMA (Museum of Modern Art, Nowy Jork, 2004), str. 54

Podpis Picassa

To jest podpis Picasso na jego obrazie z 1903 roku (z Niebieskiego Okresu) zatytułowanym „Pijący absynt”.
Picasso eksperymentował z różnymi skróconymi wersjami swojego nazwiska jako podpisem malarskim, w tym zakreślone inicjały, przed włączeniem „Pablo Picasso”. Dziś powszechnie słyszymy o nim jako po prostu „Picasso”.

Jego pełne imię brzmiało: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Źródło:
1. „A Sum of Destructions: Picasso's Cultures and the Creation of Cubism” Natashy Staller. Yale University Press. Strona p209.</sub>

„Pijący Absinthe” - Picasso

Obraz ten został stworzony przez Picassa w 1903 roku, podczas jego Niebieskiego Okresu (czas, kiedy w obrazach Picassa dominowały odcienie błękitu; gdy miał dwadzieścia kilka lat). Przedstawia artystę Angel Fernandez de Soto, który był bardziej entuzjastycznie nastawiony do imprezowania i picia niż do swoich obrazów¹, który dwukrotnie dzielił studio z Picassem w Barcelonie.
Obraz został wystawiony na aukcję w czerwcu 2010 roku przez Fundację Andrew Lloyda Webbera po zawarciu w USA pozasądowej ugody dotyczącej własności, po twierdzeniu potomków niemiecko-żydowskiego bankiera Paula von Mendelssohna-Bartholdy'ego, że obraz był pod przymusem w latach trzydziestych XX wieku podczas reżimu nazistowskiego w Niemcy.

<sub>Źródło:
1. Dom aukcyjny Christie's informacja prasowa, „Christie's to Offer Picasso Masterpiece”, 17 marca 2010.</sub>

„Tragedia” - Picasso

Pablo Picasso, Tragedia, 1903. Olej na drewnie. Rozmiar 41 7/16 x 27 3/16 cala (105,3 x 69 cm). w Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton.

Pochodzi z jego Niebieskiego Okresu, kiedy w jego obrazach, jak sama nazwa wskazuje, dominował blues.

Szkic Picassa do jego słynnego obrazu „Guernica”

Planując i pracując nad swoim ogromnym obrazem Guernica, Picasso wykonał wiele szkiców i studiów. Zdjęcie przedstawia jednego z jego kompozycja szkice, które same w sobie nie wyglądają zbyt wiele, zbiór nabazgranych linii.

Zamiast próbować rozszyfrować, jakie mogą być różne rzeczy i gdzie się znajdują na ostatecznym obrazie, pomyśl o tym jako o skrócie Picassa. Prosty znakowanie obrazy, które trzymał w pamięci. Skoncentruj się na tym, jak on to wykorzystuje, aby zdecydować, gdzie umieścić elementy na obrazie, na interakcji między tymi elementami.

„Guernica” - Picasso

Ten słynny obraz Picassa jest ogromny: 11 stóp 6 cali wysokości i 25 stóp 8 cali szerokości (3,5 x 7,76 m). Picasso namalował go na zamówienie Pawilonu Hiszpańskiego na Światowych Targach w Paryżu w 1937 roku. Znajduje się w Museo Reina Sofia w Madrycie w Hiszpanii.

„Portrait de Mr Minguell” - Picasso

Picasso wykonał ten portret w 1901 roku, kiedy miał 20 lat. Temat to kataloński krawiec, pan Minguell, któremu, jak się uważa, Picasso został wprowadzony przez jego handlarza dziełami sztuki i przyjaciela Pedro Manacha¹. Styl ten pokazuje wykształcenie Picassa w malarstwie tradycyjnym i jak daleko rozwinął się jego styl malarski podczas jego kariery. To, że jest namalowany na papierze, świadczy o tym, że zostało zrobione w czasie, gdy Picasso był spłukany i nie zarabiał jeszcze na swojej sztuce wystarczającej ilości pieniędzy, aby malować na płótnie.

Picasso podarował Minguellowi obraz w prezencie, ale później odkupił go i nadal miał, gdy zmarł w 1973 roku. Obraz został umieszczony na płótnie i prawdopodobnie odrestaurowany pod kierunkiem Picassa „jakiś czas przed 1969 rokiem”², kiedy został sfotografowany do książki Christiana Zervosa o Picassie.

Następnym razem, gdy będziesz w jednej z tych imprezowych kłótni o tym, że wszyscy nierealistyczni malarze tylko malują abstrakcyjnykubista, fowista, impresjonista, wybierz swój styl, ponieważ nie potrafią zrobić „prawdziwych obrazów”, zapytaj osobę, czy umieściła Picassa w tej kategorii (większość tak robi), a następnie wspomnij o tym obrazie.

_{Źródło:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Szczegóły partii Impresjonistów i sztuki współczesnej, 22 czerwca 2010. (Dostęp 3 czerwca 2010 r.)}

„Dora Maar” lub „Tête De Femme” - Picasso

Ten obraz Picassa sprzedany na aukcji w czerwcu 2008 r. Został sprzedany za 7 881 250 funtów (15 59512 USD). Szacunkowa aukcja wynosiła od trzech do pięciu milionów funtów.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Ten ogromny obraz Picassa (prawie osiem stóp kwadratowych) jest uznawany za jedno z najważniejszych dzieł sztuki współczesnej, jakie kiedykolwiek powstały, jeśli nie the co najważniejsze, obraz o kluczowym znaczeniu dla rozwoju sztuki współczesnej. Obraz przedstawia pięć kobiet - prostytutek w burdelu - ale toczy się wiele dyskusji na temat tego, co to wszystko oznacza i jakie są w nim odniesienia i wpływy.
Krytyk sztuki Jonathan Jones¹ mówi:

„To, co uderzyło Picassa w afrykańskich maskach [widoczne na twarzach postaci po prawej], to najbardziej oczywista rzecz: że maskują cię, zamieniają w coś innego - zwierzę, demona, Bóg. Modernizm to sztuka, która nosi maskę. Nie mówi, co to znaczy; to nie jest okno, ale ściana. Picasso wybrał swój temat właśnie dlatego, że był to banał: chciał pokazać, że oryginalność w sztuce nie polega na narracji czy moralności, ale na formalnej inwencji. Dlatego błędem jest postrzeganie Les Demoiselles d'Avignon jako obrazu „o” burdelach, prostytutkach lub kolonializmie ”.

Źródło:
1. Pablo's punks przez Jonathana Jonesa, Opiekun, 9 stycznia 2007.

„Kobieta z gitarą” - Georges Braque

Georges Braque, Kobieta z gitarą, 1913. Olej i węgiel na płótnie. 51 1/4 x 28 3/4 cala (130 x 73 cm). W Musee National d'Art Moderne w Centre Georges Pompidou w Paryżu.

The Red Studio - Henri Matisse

Ten obraz znajduje się w kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Moma) w Nowym Jorku. Przedstawia wnętrze pracowni malarskiej Matisse'a ze spłaszczoną perspektywą lub pojedynczą płaszczyzną obrazu. Ściany jego pracowni tak naprawdę nie były czerwone, były białe; użył czerwieni w swoim obrazie dla uzyskania efektu.
W jego pracowni wystawiane są rozmaite prace i elementy mebli studyjnych. Kontury mebli w jego pracowni to linie w farbie odsłaniające kolor z dolnej, żółtej i niebieskiej warstwy, nie pomalowanej na czerwono.

1. „Kątowe linie sugerują głębię, a niebiesko-zielone światło okna wzmacnia poczucie wewnętrznej przestrzeni, ale przestrzeń czerwieni spłaszcza obraz. Matisse potęguje ten efekt, na przykład pomijając pionową linię narożnika pomieszczenia ”.
- MoMA Highlights, opublikowane przez Moma, 2004, strona 77.

2. „Wszystkie elementy... zatopić swoją indywidualną tożsamość w tym, co stało się przedłużoną medytacją nad sztuką i życiem, przestrzenią, czasem, percepcją i naturą samej rzeczywistości... skrzyżowanie dla zachodniego malarstwa, gdzie klasyczna zewnętrzna, w przeważającej mierze reprezentacyjna sztuka przeszłości spotykała się z prowizorycznym, zinternalizowanym i autoreferencyjnym etosem przyszłości... ”
- Hilary Spurling, strona 81.

Taniec - Henri Matisse

Górne zdjęcie przedstawia gotowy obraz Matisse'a zatytułowany Taniec, ukończony w 1910 roku, a obecnie w Państwowym Muzeum Ermitażu w Sankt Petersburgu w Rosji. Dolne zdjęcie przedstawia pełnowymiarowe studium kompozycyjne, które wykonał na potrzeby obrazu, obecnie w formacie MAMA w Nowym Jorku, USA. Matisse namalował go na zamówienie rosyjskiego kolekcjonera sztuki Siergieja Szczukina.
To ogromny obraz, prawie cztery metry szerokości i dwa i pół metra wysokości (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") i jest pomalowany paletą ograniczoną do trzech kolorów: czerwonego, zielony i niebieski. Myślę, że to obraz, który pokazuje, dlaczego Matisse ma taką reputację kolorysty, zwłaszcza gdy porównuje się studium z końcowym obrazem z jego świecącymi postaciami.
W swojej biografii Matisse'a (na stronie 30) Hilary Spurling mówi:

„Ci, którzy widzieli pierwszą wersję Taniec opisał ją jako bladą, delikatną, wręcz zjawiskową, pomalowaną na wyostrzone kolory... w drugiej wersji w ostry, płaski fryz cynobrowych postaci wibrujących na tle jasnej zieleni i nieba. Współcześni postrzegali ten obraz jako pogański i dionizyjski ”.

Zwróć uwagę na spłaszczoną perspektywę, w jaki sposób figury mają ten sam rozmiar, a nie te, które są bardziej oddalone od mniejszych, jak miałoby to miejsce w perspektywie lub skróceniu perspektywicznym w obrazach przedstawiających. Jak linia między niebieskim i zielonym za figurami jest zakrzywiona, naśladując krąg postaci.

„Powierzchnia została zabarwiona do nasycenia, do punktu, w którym niebieski, idea absolutnego błękitu, była ostatecznie obecna. Jasna zieleń dla ziemi i żywy cynobrowiec dla ciał. Z tymi trzema kolorami miałem harmonię światła, a także czystość tonu. ”- Matisse

Źródło:
„Wprowadzenie do wystawy From Russian dla nauczycieli i uczniów” Grega Harrisa, Royal Academy of Arts, Londyn, 2008.

Znani malarze: Willem de Kooning

Malarz Willem de Kooning urodził się w Rotterdamie w Holandii 24 sierpnia 1904 roku i zmarł na Long Island w stanie Nowy Jork 19 marca 1997 roku. De Kooning został uczniem w firmie zajmującej się sztuką komercyjną i dekoracją, gdy miał 12 lat i przez osiem lat uczęszczał na zajęcia wieczorowe w Akademii Sztuk Pięknych i Technik w Rotterdamie. W 1926 r. Wyemigrował do USA, w 1936 r. Zaczął malować na pełny etat.

Stylem malarskim De Kooninga był abstrakcyjny ekspresjonizm. Miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Charles Egan Gallery w Nowym Jorku w 1948 roku, z dorobkiem wykonanym czarno-białą emalią. (Zaczął używać emalii, ponieważ nie było go stać na pigmenty artysty). W latach pięćdziesiątych XX wieku został rozpoznany jako jeden z liderów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, choć niektórzy puryści tego stylu myśleli, że jego obrazy (np jego Kobieta serie) zawierają zbyt dużo ludzkiej postaci.

Jego obrazy składają się z wielu warstw, elementów nakładających się na siebie i ukrytych, gdy przerabiał i przerabiał obraz. Zmiany mogą być widoczne. Dużo rysował na swoich płótnach grafitem, zarówno w początkowej kompozycji, jak i podczas malowania. Jego malowanie pędzlem jest gestykulacyjne, ekspresyjne, dzikie, z wyczuciem energii za pociągnięciami. Ostateczny wygląd obrazów został wykonany, ale tak się nie stało.

Twórczość artystyczna De Kooning obejmowała prawie siedem dekad i obejmowała obrazy, rzeźby, rysunki i grafiki. Jego ostatnie obrazy Źródło w późnych latach osiemdziesiątych. Jego najsłynniejsze obrazy to Różowe anioły (do. 1945), Wykop (1950), a trzeci Kobieta seria (1950–53) zrealizowana w bardziej malarskim stylu i improwizacji. W latach czterdziestych pracował równolegle w stylach abstrakcyjnych i reprezentacyjnych. Przełom przyniosły mu czarno-białe abstrakcyjne kompozycje z lat 1948–49. W połowie lat pięćdziesiątych malował abstrakcje miejskie, wracając do figuracji w latach sześćdziesiątych, a następnie do wielkich abstrakcji gestów w latach siedemdziesiątych. W latach osiemdziesiątych de Kooning przestawił się na pracę na gładkich powierzchniach, lśniąc jasnymi, przezroczystymi kolorami na fragmentach rysunków gestów.

American Gothic - Grant Wood

amerykański gotyk jest prawdopodobnie najbardziej znanym ze wszystkich obrazów, jakie kiedykolwiek stworzył amerykański artysta Grant Wood. Obecnie znajduje się w Art Institute of Chicago.

Grant Wood namalował "American Gothic" w 1930 roku. Przedstawia mężczyznę i jego córkę (nie żonę¹) stojąc przed ich domem. Grant zobaczył budynek, który zainspirował obraz w Eldon w stanie Iowa. Styl architektoniczny to amerykański gotyk, od którego obraz otrzymał swój tytuł. Modelami do obrazu była siostra Wooda i ich dentysta.². Obraz sygnowany jest przy dolnej krawędzi, na kombinezonie mężczyzny, nazwiskiem artysty i rokiem (Grant Wood 1930).

Co oznacza ten obraz? Wood chciał, aby było to dostojne przedstawienie charakteru Amerykanów ze Środkowego Zachodu, ukazujące ich purytańską etykę. Ale można to uznać za komentarz (satyrę) na temat nietolerancji ludności wiejskiej wobec osób postronnych. Symbolika obrazu obejmuje ciężką pracę (widły) i domostwo (doniczki i fartuch w kolonialnym druku). Jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz, jak trzy ząbki wideł odbijają się echem w szwach kombinezonu mężczyzny, kontynuując paski na jego koszuli.

^{Źródło:
amerykański gotyk, Art Institute of Chicago, dostęp 23 marca 2011.}

„Chrystus św. Jana od Krzyża” - Salvador Dali

Ten obraz autorstwa Salvador Dali znajduje się w kolekcji Galeria i muzeum sztuki Kelvingrove w Glasgow w Szkocji. Po raz pierwszy został pokazany w galerii 23 czerwca 1952 roku. Obraz został kupiony za 8200 funtów, co było uważane za wysoką cenę, mimo że zawierało prawa autorskie, które pozwoliły galerii zarabiać na opłatach za reprodukcję (i sprzedawać niezliczone pocztówki!).
Sprzedaż praw autorskich do obrazu Dali była czymś niezwykłym, ale potrzebował pieniędzy. (Prawa autorskie pozostają po stronie artysty, chyba że zostaną podpisane, patrz Często zadawane pytania dotyczące praw autorskich artysty.)

„Najwyraźniej mając kłopoty finansowe, Dali początkowo poprosił o 12 000 funtów, ale po kilku trudnych negocjacjach... sprzedał go za prawie jedną trzecią mniej i podpisał list do miasta [Glasgow] w 1952 r., w którym zrzekł się praw autorskich.

Tytuł obrazu nawiązuje do rysunku, który zainspirował Dalego. Rysunek piórem i tuszem powstał po wizji, jaką miał św. Jan od Krzyża (hiszpański zakonnik karmelita, 1542–1591), w której widział ukrzyżowanie Chrystusa, jakby patrzył na nie z góry. Kompozycja uderza niezwykłym spojrzeniem na ukrzyżowanie Chrystusa, oświetlenie jest dramatyczne, rzucające się mocno cieniei świetne wykorzystanie skrócenie perspektywiczne Na rysunku. Krajobraz na dole obrazu to port w rodzinnym mieście Dalego, Port Lligat w Hiszpanii.
Obraz był pod wieloma względami kontrowersyjny: kwota, jaką za niego zapłacono; przedmiot; styl (który wydawał się raczej retro niż nowoczesny). Przeczytaj więcej o obrazie na stronie galerii.

Źródło:
"Surrealistyczny przypadek obrazów Dalego i licencja Battle Over Artistic"autorstwa Severina Carrella, Opiekun, 27 stycznia 2009

Puszki do zupy Campbella - Andy Warhol

Detal od Andy'ego Warhola Puszki na zupę Campbella. Akryl na płótnie. 32 obrazy o wymiarach 20 x 16 cali (50,8 x 40,6 cm). W kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) w Nowym Jorku.
Warhol po raz pierwszy wystawił swoją serię obrazów Campbella na puszkach z zupą w 1962 roku, a spód każdego obrazu spoczywał na półce jak puszka w supermarkecie. W tej serii są 32 obrazy, tyle odmian zup sprzedawanych w tym czasie przez Campbella.
Gdybyś sobie wyobraził, jak Warhol zaopatruje swoją spiżarnię w puszki z zupą, a potem zjada puszkę, gdy skończył malować, cóż, wydaje się, że nie. Według strony internetowej Momy, Warhol użył listy produktów z Campbella, aby przypisać inny smak każdemu obrazowi.
Zapytany o to Warhol odpowiedział:

„Kiedyś to piłem. Codziennie jadłem ten sam lunch, chyba od dwudziestu lat, w kółko to samo ”.¹

Warhol najwyraźniej również nie miał zamówienia, w którym chciałby wyświetlać obrazy. Moma wyświetla obrazy „w rzędach, które odzwierciedlają chronologiczny porządek, w jakim [zupy] zostały wprowadzone, poczynając od„ Pomidora ”w lewym górnym rogu, który zadebiutował w 1897 r.”

Więc jeśli malujesz serię i chcesz, aby były wyświetlane w określonej kolejności, upewnij się, że gdzieś to zanotowałeś. Tylna krawędź płócien jest chyba najlepsza, bo wtedy nie oddzieli się od obrazu (choć może się ukryć, jeśli obrazy zostaną oprawione).
Warhol to artysta, o którym często wspominają malarze chcący tworzyć dzieła pochodne. Przed zrobieniem podobnych rzeczy warto zwrócić uwagę na dwie rzeczy:

1. Na Witryna Moma, jest tam wskazanie licencji od Campbell's Soup Co (tj. umowa licencyjna między wytwórnią zup a majątkiem artysty).
2. Wydaje się, że egzekwowanie praw autorskich było mniejszym problemem w czasach Warhola. Nie rób założeń dotyczących praw autorskich na podstawie prac Warhola. Przeprowadź badania i zdecyduj, jakie są Twoje obawy dotyczące możliwego przypadku naruszenia praw autorskich.

Campbell nie zlecił Warholowi wykonania obrazów (choć później zlecili jeden dla emerytowanego przewodniczącego rady w 1964 r.) I miał obawy, gdy marka pojawiła się na obrazach Warhola w 1962 roku, przyjmując podejście wyczekujące, aby ocenić, jaka była reakcja na obrazy. W 2004, 2006 i 2012 roku Campbell's sprzedawał puszki ze specjalnymi pamiątkowymi etykietami Warhola.

<sub>Źródło:
1. Jak cytowano Moma, obejrzano 31 sierpnia 2012.</sub>

Większe drzewa w pobliżu Wartera - David Hockney

Top: Artysta David Hockney obok fragmentu swojego obrazu olejnego „Bigger Trees Near Warter”, który podarował Tate Britain w kwietniu 2008 roku.
Dolny: Obraz został po raz pierwszy wystawiony na Letniej Wystawie 2007 w Royal Academy w Londynie, zajmując całą ścianę.
Obraz olejny Davida Hockneya „Większe drzewa w pobliżu Wartera” (tzw Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) przedstawia scenę w pobliżu Bridlington w Yorkshire. Obraz wykonany z 50 płócien ustawionych obok siebie. W sumie całkowity rozmiar obrazu to 40x15 stóp (4,6x12 metrów).
W czasie, gdy Hockney go namalował, był to największy obraz, jaki kiedykolwiek ukończył, choć nie pierwszy, który stworzył przy użyciu wielu płócien.

" Zrobiłem to, ponieważ zdałem sobie sprawę, że mogę to zrobić bez drabiny. Kiedy malujesz, musisz mieć możliwość cofnięcia się. Cóż, są artyści, którzy zostali zabici, cofając się z drabin, prawda?"
- Hockney cytowany w Reuter doniesienie prasowe, 7 kwietnia 2008 r.

Hockney użył rysunków i komputera, aby pomóc w komponowaniu i malowaniu. Po ukończeniu sekcji zrobiono zdjęcie, aby mógł obejrzeć cały obraz na komputerze.

„Najpierw Hockney naszkicował siatkę pokazującą, jak scena będzie pasować do siebie na 50 panelach. Następnie rozpoczął pracę nad poszczególnymi panelami in situ. Kiedy nad nimi pracował, zostały sfotografowane i zrobione w komputerowej mozaice, aby mógł śledzić swoje postępy, ponieważ mógł mieć tylko sześć paneli na ścianie w jednym czasie ”.

Źródło:
Charlotte Higgins, Opiekun korespondent artystyczny, Hockney przekazuje Tate ogromną pracę, 7 kwietnia 2008.

Obrazy wojenne Henry'ego Moore'a

Plik Wystawa Henry Moore w Tate Britain Gallery w Londynie trwała od 24 lutego do 8 sierpnia 2010.

Brytyjski artysta Henry Moore jest najbardziej znany ze swoich rzeźb, ale znany jest również z atramentu, wosku i akwarele przedstawiające ludzi ukrywających się na stacjach londyńskiego metra podczas drugiej wojny światowej. Moore był oficjalnym artystą wojennym, a 2010 Wystawa Henry Moore w Galerii Tate Britain znajduje się sala poświęcona tym. Wykonane między jesienią 1940 r. A latem 1941 r. Przedstawiał śpiące postacie skulone w pociągu tunele uchwyciły poczucie udręki, które zmieniło jego reputację i wpłynęło na popularną percepcję Ciężkie bombardowanie. Jego prace z lat 50. odzwierciedlały następstwa wojny i perspektywę dalszego konfliktu.
Moore urodził się w Yorkshire i po odbyciu służby w I wojnie światowej studiował w Leeds School of Art w 1919 roku. W 1921 roku uzyskał stypendium w Royal College w Londynie. Później wykładał w Royal College, a także w Chelsea School of Art. Od 1940 roku Moore mieszkał w Perry Green w Hertfordshire, obecnie siedzibie Fundacja Henry'ego Moore'a. Na Biennale w Wenecji w 1948 roku Moore zdobył Międzynarodową Nagrodę Rzeźby.

„Frank” - Chuck Close

„Frank” Chucka Close, 1969. Akryl na płótnie. Rozmiar 108 x 84 x 3 cale (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). w Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Autoportret i portret fotograficzny

Artysta Lucian Freud jest znany ze swojego intensywnego, bezlitosnego spojrzenia, ale jak pokazuje ten autoportret, kieruje go na siebie, nie tylko na swoje modele.

1. „Myślę, że wspaniały portret ma związek z... uczucie i indywidualność oraz intensywność szacunku i skupienie się na konkretach ”. ¹
2. „... musisz spróbować namalować siebie jako inną osobę. W przypadku autoportretów „podobieństwo” staje się inną rzeczą. Muszę robić to, co czuję, nie będąc ekspresjonistą ”. ²

<sup>Źródło:
1. Lucian Freud, cytowany w Freud at Work str. 32-3. 2. Lucian Freud cytowany w Lucian Freud przez Williama Feavera (Tate Publishing, Londyn 2002), str. 43.</sup>

„Ojciec Mona Lisy” - Man Ray

„Ojciec Mona Lisy” Man Raya, 1967. Reprodukcja rysunku osadzonego na płycie pilśniowej z dodanym cygarem. Rozmiar 18 x 13 5/8 x 2 5/8 cala (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). W kolekcji Muzeum Hirshorn.
Wielu osobom Man Ray kojarzy się tylko z fotografią, ale był też artystą i malarzem. Przyjaźnił się z artystą Marcelem Duchampem i współpracował z nim.
W maju 1999 r. Art News magazyn umieścił Mana Raya na swojej liście 25 najbardziej wpływowych artystów XX wieku za jego fotografię i „eksplorację filmu, malarstwa, rzeźby, kolażu, asamblażu”. Te prototypy ostatecznie nazwano by sztuką performance i sztuką konceptualną ”.

Art News powiedział:

„Man Ray przedstawił artystom we wszystkich mediach przykład kreatywnej inteligencji, która w swoim„ dążeniu do przyjemności i wolności ”[Man Ray stwierdził, zasady] otworzyły wszystkie drzwi, do których doszło, i swobodnie chodzili tam, gdzie chcieli. ”(Źródło cytatu: Art News, maj 1999,„ Willful Provocateur ”AD Coleman.)

Ten artykuł „Ojciec Mony Lisy” pokazuje, jak stosunkowo prosty pomysł może być skuteczny. Najtrudniejsze jest przede wszystkim wymyślenie pomysłu; czasami przychodzą jako błysk inspiracji; czasami w ramach burzy mózgów; czasami poprzez rozwijanie i realizowanie koncepcji lub myśli.

Znani malarze: Yves Klein

Z mocą wsteczną: Wystawa Yves Klein w Muzeum Hirshhorn w Waszyngtonie, USA, od 20 maja 2010 do 12 września 2010.

Artysta Yves Klein jest prawdopodobnie najbardziej znany ze swoich monochromatycznych prac z jego specjalnym błękitem (patrz np. „Żywy pędzel”). IKB lub International Klein Blue to ultramarynowy błękit, który sformułował.

Nazywając siebie "malarzem przestrzeni" Klein "dążył do osiągnięcia niematerialnej duchowości poprzez czysty kolor" i zajmował się "współczesnymi pojęciami konceptualnej natury sztuki"¹.

Klein miał stosunkowo krótką karierę, mniej niż dziesięć lat. Jego pierwszą publiczną pracą była książka artysty Yves Peintures („Yves Paintings”), wydany w 1954 roku. Jego pierwsza publiczna wystawa odbyła się w 1955 roku. Zmarł na atak serca w 1962 roku w wieku 34 lat. (Kalendarium życia Kleina z Archiwa Yves Klein.)

<sub>Źródło:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, dostęp 13 maja 2010.</sub>

„Żywy pędzel” - Yves Klein

Ten obraz francuskiego artysty Yves Klein (1928-1962) to jedna z serii, w których używał „żywych pędzli”. Pokrył nagie modelki swoją charakterystyczną niebieską farbą (International Klein Blue, IKB), a następnie w performansie przed publicznością „malował” nimi na dużych arkuszach papieru, kierując ich ustnie.
Tytuł „ANT154” pochodzi od komentarza krytyka sztuki, Pierre'a Restany'ego, opisującego obrazy produkowane jako „antropometrie niebieskiego okresu”. Klein użył akronimu ANT jako serii tytuł.

Czarny obraz - Ad Reinhardt

„W kolorze jest coś złego, nieodpowiedzialnego i bezmyślnego; coś niemożliwego do kontrolowania. Kontrola i racjonalność są częścią mojej moralności ”. - Ad Reinhard w 1960 roku ¹

Ten monochromatyczny obraz amerykańskiego artysty Ad Reinhardta (1913-1967) znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Moma) w Nowym Jorku. Ma wymiary 60 x 60 cali (152,4 x 152,4 cm), olej na płótnie, został namalowany w latach 1960-61. Przez ostatnią dekadę i kawałek swojego życia (zmarł w 1967 r.) Reinhardt w swoich obrazach używał tylko czerni.
Amy Sia, który zrobił zdjęcie, mówi, że woźny wskazuje, jak obraz jest podzielony na dziewięć kwadratów, z których każdy ma inny odcień czerni.
Nie martw się, jeśli nie widzisz tego na zdjęciu. Trudno to zobaczyć, nawet gdy jesteś przed obrazem. W niej esej na temat Reinhardta dla Guggenheima Nancy Spector opisuje płótna Reinhardta jako „przytłumione czarne kwadraty zawierające ledwie dostrzegalne kształty w kształcie krzyża [które] kwestionują granice widoczności” ².
<sup>Źródło:
1. Kolor w art John Gage, s.205
2. Reinhardt by Nancy Spector, Guggenheim Museum (dostęp 5 sierpnia 2013)</sup>

Londyńskie malarstwo Johna Virtue'a

Brytyjski artysta John Virtue maluje abstrakcyjne krajobrazy tylko w czerni i bieli od 1978 roku. Na DVD wyprodukowanym przez London National Gallery, Virtue mówi, że praca w czerni i bieli zmusza go do „bycia pomysłowym… do odkrywania na nowo”. Unikanie koloru ”pogłębia się moje wyczucie tego, jaki jest kolor… Odczucie tego, co widzę… jest najlepsze, dokładniejsze i bardziej oddane, jeśli nie mam palety olejków farba. Kolor byłby ślepą uliczką ”.
Jest to jeden z londyńskich obrazów Johna Virtue'a, wykonany podczas jego pracy w National Gallery (od 2003 do 2005). Plik Strona National Gallery opisuje obrazy Virtue jako mające „pokrewieństwo z orientalnym malarstwem pędzlowym i amerykańskim abstrakcyjnym ekspresjonizmem” i ściśle związane z „wielkim angielskim malarze pejzażowi, Turner i Constable, których Cnota ogromnie podziwia ", a także ulegający wpływom" holenderskich i flamandzkich krajobrazów Ruisdael, Koninck i Rubens ”.
Cnota nie nadaje tytułów swoim obrazom, tylko numery. W wywiadzie udzielonym w kwietniu 2005 roku Artyści i ilustratorzy magazynu Virtue mówi, że zaczął numerować swoje prace chronologicznie w 1978 roku, kiedy zaczął pracować w trybie monochromatycznym:

„Nie ma żadnej hierarchii. Nie ma znaczenia, czy ma 28 stóp, czy trzy cale. To niewerbalny dziennik mojego istnienia ”.

Jego obrazy noszą nazwę „Krajobraz nr 45” lub „Krajobraz nr 630” i tak dalej.

Pojemnik na dzieła sztuki - Michael Landy

Wystawa Art Bin artysty Michaela Landy'ego odbyła się w South London Gallery od 29 stycznia do 14 marca 2010 r. Koncepcja jest olbrzymia (600m³) śmietnik wbudowany w przestrzeń galerii, w którym wyrzuca się sztukę, „pomnik twórczej porażki”¹.
Ale nie byle jaką starą sztukę; musiałeś złożyć podanie o wyrzucenie swojej sztuki do kosza, online lub w galerii, a Michael Landy lub jeden z jego przedstawicieli decydował, czy można je uwzględnić, czy nie. Jeśli została zaakceptowana, została wyrzucona do kosza z wieży na jednym końcu.

Kiedy byłem na wystawie, wrzucono kilka sztuk, a osoba wykonująca rzut już tak wiele ćwiczeń ze sposobu, w jaki był w stanie wykonać jeden obraz ślizgający się na drugą stronę pojemnik.
Interpretacja sztuki podąża ścieżką, kiedy / dlaczego sztuka jest uważana za dobrą (lub bzdurną), subiektywność w wartość przypisywana sztuce, akt kolekcjonowania dzieł sztuki, zdolność kolekcjonerów i galerii do tworzenia lub łamania twórczości artysty kariery.

Z pewnością interesujące było spacerowanie po bokach, patrząc na to, co zostało wrzucone, co się zepsuło (dużo kawałków styropianu), a co nie (większość obrazów na płótnie była w całości). Gdzieś na dole był duży nadruk czaszki ozdobiony szkłem autorstwa Damiena Hirsta i kawałek autorstwa Tracey Emin. Ostatecznie to, co mogłoby zostać poddane recyklingowi (na przykład nosze papierowe i płócienne), a reszta ma trafić na wysypisko. Pochowany jako śmieci, prawdopodobnie nie zostanie wykopany za wieki przez archeologa.

_{Źródło:
1&2. #Michael Landy: Pojemnik na dzieła ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), witryna South London Gallery, dostęp 13 marca 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Ten obraz amerykańskiego polityka Baracka Obamy, kolaż z szablonami mieszanymi, został stworzony przez ulicznego artystę z Los Angeles, Shepard Fairey. Był to główny portret używany w kampanii prezydenckiej Obamy w 2008 roku i rozprowadzany w limitowanej edycji i do bezpłatnego pobrania. Obecnie znajduje się w National Portrait Gallery w Waszyngtonie.

1. „Aby stworzyć swój plakat z Obamą (co zrobił w niecały tydzień), Fairey pobrał z Internetu fotografię informacyjną kandydata. Szukał Obamy, który wyglądałby na prezydenta... Artysta uprościł wówczas linie i geometrię, posługując się czerwono-biało-niebieską patriotyczną paletą (którą bawi się, nadając bieli beż, a błękit pastelowy odcień)... pogrubione słowa ...
2. „Jego plakaty Obamy (i wiele jego prac komercyjnych i artystycznych) to przeróbki technik rewolucyjni propagandyści - jaskrawe kolory, odważne litery, geometryczna prostota, bohaterskie pozy. "

Źródło: ​
„Potwierdzenie Obamy na ścianie” przez Williama Bootha, Washington Post 18 maja 2008.

„Requiem, białe róże i motyle” - Damien Hirst

Brytyjski artysta Damien Hirst jest najbardziej znany ze swoich zwierząt konserwowanych w formaldehydzie, ale po czterdziestce powrócił do malarstwa olejnego. W październiku 2009 roku po raz pierwszy wystawił w Londynie obrazy powstałe w latach 2006-2008. To przykład niezbyt sławnego obrazu słynnego artysty pochodzi z jego wystawa w Wallace Collection w Londynie zatytułowanym „No Love Lost”. (Termin: 12 października 2009 do 24 stycznia 2010)
wiadomości BBC - zacytował powiedzenie Hirsta.

„Teraz maluje wyłącznie ręcznie”, że przez dwa lata jego „obrazy były krępujące, a ja nie chciałem kogokolwiek, kto wejdzie. ”i że„ musiał ponownie nauczyć się malować po raz pierwszy, odkąd był nastolatkiem. student."¹

W komunikacie prasowym towarzyszącym wystawie Wallace'a czytamy:

„Niebieskie obrazy” świadczą o śmiałym, nowym kierunku w jego twórczości; seria obrazów, które, jak mówi artysta, są „głęboko związane z przeszłością” ”.

Nakładanie farby na płótno to z pewnością nowy kierunek dla Hirsta, a tam, gdzie idzie Hirst, prawdopodobnie pójdą za nim studenci sztuki. Malarstwo olejne może znów stać się modne.
Laura Porter, Guide to London Travel firmy About.com, poszła na pokaz prasowy wystawy Hirsta i uzyskała odpowiedź na jedno pytanie, które chciałem wiedzieć: Jakich niebieskich pigmentów używał?

Laurze powiedziano, że to „Błękit pruski dla wszystkich oprócz jednego z 25 obrazów, który jest czarny. ”Nic dziwnego, że to taki ciemny, tlący się błękit!
Krytyk sztuki Adrian Searle z Opiekun nie był zbyt przychylny obrazom Hirsta:

„W najgorszym przypadku rysunek Hirsta wygląda po prostu amatorsko i młodzieńczo. Jego pędzelkowi brakuje wprawy i polotu, które sprawiają, że wierzysz w kłamstwa malarza. Nie może jeszcze tego unieść. "²

<sub>Źródło:
1 Hirst „rezygnuje z marynowanych zwierząt”, BBC News, 1 października 2009
2. "Obrazy Damiena Hirsta są śmiertelnie nudne, „Adrian Searle, Opiekun, 14 października 2009.</sub>

Sławni artyści: Antony Gormley

Antony Gormley to brytyjski artysta, być może najbardziej znany ze swojej rzeźby Anioł Północy, odsłoniętej w 1998 roku. Stoi w Tyneside w północno-wschodniej Anglii, w miejscu, które kiedyś było kopalnią, witając Cię swoimi skrzydłami o szerokości 54 metrów.
W lipcu 2009 r. Grafika instalacji Gormleya na czwartym cokole na Trafalgar Square w Londynie ukazała wolontariusza stojącego godzinę na cokole, 24 godziny na dobę, przez 100 dni. W przeciwieństwie do innych cokołów na Trafalgar Square, czwarty cokół bezpośrednio przed Galerią Narodową nie ma na sobie stałego pomnika. Niektórzy z uczestników sami byli artystami i naszkicowali swój niezwykły punkt widzenia (zdjęcie).
Antony Gormley urodził się w 1950 roku w Londynie. Studiował na różnych uczelniach w Wielkiej Brytanii i buddyzm w Indiach i na Sri Lance, zanim skupił się na rzeźbie w Slade School of Art w Londynie w latach 1977-1979. Jego pierwsza indywidualna wystawa odbyła się w Whitechapel Art Gallery w 1981 roku. W 1994 roku Gormley zdobył nagrodę Turnera za „Field for the British Isles”.
Jego biografia na jego temat stronie internetowej mówi:

... Antony Gormley ożywił ludzki wizerunek w rzeźbie poprzez radykalne badanie ciała jako miejsca pamięci i transformacji, wykorzystując własne ciało jako przedmiot, narzędzie i materiał. Od 1990 roku rozszerzył swoją troskę o kondycję człowieka, badając zbiorowe ciało i relacje między sobą a innymi w wielkoskalowych instalacjach ...

Gormley nie tworzy postaci, które robi, ponieważ nie potrafi wykonać posągów w tradycyjnym stylu. Raczej czerpie przyjemność z różnicy i zdolności, jaką dają nam do ich interpretacji. W wywiadzie dla Czasy¹, powiedział:

„W tradycyjnych statuetkach nie chodzi o potencjał, ale o coś, co jest już ukończone. Mają autorytet moralny, który jest raczej opresyjny niż oparty na współpracy. Moje dzieła uznają ich pustkę. "

^{Źródło:
Antony Gormley, The Man Who Broke the Mold, John-Paul Flintoff, The Times, 2 marca 2008.}

Znani współcześni malarze brytyjscy

Od lewej do prawej, artyści Bob i Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula RegoMichael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakei Alison Watt.
Okazją było obejrzenie obrazu Diana i Actaeon Tycjana (niewidoczny, po lewej) w National Gallery w Londynie w celu zebrania funduszy na zakup obrazu dla galerii.

Sławni artyści: Lee Krasner i Jackson Pollock

Z tych dwóch malarzy, Jackson Pollock jest bardziej znany niż Lee Krasner, ale bez jej wsparcia i promocji jego dzieł sztuki może nie znaleźć się na osi czasu, którą zajmuje. Obie malowane w abstrakcyjnym, ekspresjonistycznym stylu. Krasner sama walczyła o uznanie krytyków, a nie tylko o bycie uważaną za żonę Pollocka. Krasner pozostawił spuściznę, aby ustanowić Fundacja Pollock-Krasner, która przyznaje granty artystom wizualnym.

Sztaluga z drabiną Louisa Astona Knighta

Louis Aston Knight (1873-1948) był urodzonym w Paryżu amerykańskim artystą znanym z malarstwa pejzażowego. Początkowo trenował pod okiem swojego ojca artysty, Daniela Ridgwaya Knighta. Po raz pierwszy wystawiał się na Salonie Francuskim w 1894 roku i robił to przez całe życie, zdobywając uznanie także w Ameryce. Jego malarstwo Afterglow został zakupiony w 1922 roku przez prezydenta USA Warrena Hardinga dla Białego Domu.
To zdjęcie z Archiwa sztuki amerykańskiejniestety nie podaje nam lokalizacji, ale trzeba pomyśleć, że każdy artysta chce się w to wkroczyć woda ze sztalugową drabiną i farbami była albo bardzo oddana obserwacji natury, albo całkiem właściciel menażerii widowiska.

1897: Klasa artystyczna kobiet

To zdjęcie z 1897 roku z Archiwa sztuki amerykańskiej pokazuje zajęcia plastyczne dla kobiet z instruktorem Williamem Merrittem Chase. W tamtych czasach kobiety i mężczyźni chodzili na zajęcia plastyczne oddzielnie, na których ze względu na czasy kobiety miały szczęście, że w ogóle mogły zdobyć wykształcenie artystyczne.

Letnia Szkoła Artystyczna ok. 1900 r

Studenci sztuki z letnich zajęć St Paul School of Fine Arts w Mendocie w Minnesocie zostali sfotografowani ok. 1900 roku z nauczycielem Burtem Harwoodem.
Pomijając modę, duże kapelusze przeciwsłoneczne są bardzo praktyczne malowanie na zewnątrz ponieważ chroni oczy przed słońcem i opalaniem twarzy (podobnie jak bluzka z długimi rękawami).

„Statek Nelsona w butelce” - Yinka Shonibar

Czasami to skala dzieła sztuki daje dramatyczny wpływ, znacznie większy niż sam temat. Takim utworem jest „Statek Nelsona w butelce” Yinki Shonibar.

„Statek Nelsona w butelce” Yinki Shonibar to statek o wysokości 2,35 metra umieszczony w jeszcze wyższej butelce. To replika w skali 1:29 flagowego okrętu wiceadmirała Nelsona, HMS Zwycięstwo.
„Statek Nelsona w butelce” pojawił się na czwartym cokole na Trafalgar Square w Londynie 24 maja 2010 roku. Czwarty cokół stał pusty od 1841 do 1999 roku, kiedy to pierwsze z trwającej serii dzieł sztuki współczesnej, zamówionych specjalnie dla cokołu przez Czwarta grupa uruchomieniowa cokołu.
Grafika przed "Statkiem Nelsona w butelce" to One & Other autorstwa Antony'ego Gormleya, w którym inna osoba stała na postumencie przez godzinę, całą dobę, przez 100 dni.
W latach 2005-2007 można było zobaczyć rzeźbę Marca Quinna, Alison Lapper w ciąży, a od listopada 2007 roku był to Model for a Hotel 2007 autorstwa Thomasa Schutte.
Batikowe projekty na żaglach „Statku Nelsona w butelce” zostały wykonane przez artystę ręcznie na płótnie, inspirowane suknem afrykańskim i jej historią. Butelka ma wymiary 5 x 2,8 metra, wykonana jest z pleksiglasu, a nie szkła, a otwór na butelkę jest wystarczająco duży, aby wejść do środka i zbudować statek.